The Secret Weapon (1943)

Story: Sherlock Holmes bringt einen Wissenschaftler aus der Schweiz nach England, der eine neuartige Bombenzielmechanik erfunden hat, die auf keinen Fall in die Hände der Nazis fallen darf. Doch dann wird dieser in England entführt…

Die USA waren gerade in den Zweiten Weltkrieg eingetreten, also durfte auch Sherlock Holmes seinen Teil fürs Vaterland tun und gegen Nazis antreten. Was kein Problem wäre, wenn es stimmiger umgesetzt worden wäre: Der Film hat ziemlich wenig von einer Holmes-Detektivgeschichte und wirkt viel eher wie ein typisches Spionage-Abenteuer – Holmes löst den Fall nicht durch brillante Schlussfolgerungen, sondern durch Entschlüsselung von Codes, Tricks und Verkleidungen. Und natürlich passt auch die ganze Bomben-Geschichte mit kriegsentscheidender Bedeutung besser zu einem Agentenfilm als zu Sherlock Holmes.

Basil Rathbone gibt einen ganz ordentlichen Holmes ab – hier eben mehr Agent als Detektiv, die seltsame Frisur irritiert etwas, und er ist viel zu normal und charmant für Holmes – aber es macht Spaß ihm zuzusehen. Ich kenne Rathbone ja bisher vor allem als Schurke in Errol-Flynn-Abenteuern, wo man ihm nicht so richtig Aufmerksamkeit schenken kann, schön also, ihn hier mal als Helden zu haben.

Watson ist halt leider ein Volltrottel. Was nicht nur kein bisschen zum Buch-Watson passt, sondern vor allem einfach keinen Sinn ergibt: Unter keinen Umständen wäre ein Mann wie Holmes mit einem Dödel wie diesem Watson befreundet. Aber es hat sich wohl jemand gedacht, Holmes würde noch viel klüger aussehen, wenn man ihn nur zusammen mit Idioten sieht, und deshalb haben wir einen trotteligen Watson und einen ebenfalls ziemlich stümperhaften Inspector Lestrade.

Der Award für die beste Setdekoration in diesem Film geht ganz eindeutig an einen Gegenstand auf Moriartys Schreibtisch: Der Gute hat nämlich einen Abakus, der anstelle von Kugeln Totenköpfe hat. Seeeehr unauffällig. Aber wer zu den gerissensten Verbrechern der Welt gehört, will sich halt stilgerecht einrichten.

The Woman in Green (1945)

Story: Eine grausame Mordserie an Frauen erschüttert London, und Holmes vermutet, dass dahinter kein irrer Serienmörder, sondern ein größeres Komplott steckt. Und was hat eine geheimnissvolle Frau damit zu tun?

The Woman in Green fühlt sich sehr viel mehr nach Sherlock Holmes an als noch The Secret Weapon, hier müssen wir nicht mehr Kriegsgeheimnisse beschützen, sondern ganz simpel eine unerklärliche Mordserie aufdecken, was Holmes typischer klärt. Damit ist auch Rathbones Holmes typischer

Watson darf diesmal immerhin ein paar sinnvolle Sachen zu einer Schusswunde sagen, steht aber sonst auch nur mit dümmlichen “Hä? Was passiert? Wo bin ich überhaupt?”-Gesichtsausdruck herum, und dient mit seiner Trotteligkeit für etwas Comic Relief. Ächz.

Wie auch The Secret Weapon ist auch dies hier eine Moriarty-Story, was gerade auch deswegen nett ist (und soviel Spoiler erlaub ich mir hier mal), weil Moriarty dort ja schon zu Tode kam. Nachdem er schon in einem Film vor Secret Weapon eigentlich gestorben ist. Und dann in diesem Film nochmal von einem anderen “Tod” Moriartys erzählt wird. Und er dann am Ende nochmal stirbt. Man kann da dann nur noch kichern und möchte fast “Oh my god! They killed Moriarty! – You bastards!” schreien – vor allem eben, wenn man diese beiden Filme hintereinander guckt.
Aber Moriarty ist nicht nur unfreiwillig komisch, sondern auch ganz toll, weil er von Henry Daniell dargestellt wird – den man wie Rathbone als Flynn-Widersacher kennt (Sea Hawk). Schade, dass wir keinen Fechtkampf zwischen den beiden bekommen.

Terror By Night (1946)

Story: In einem Zug nach Schottland wird der Sohn einer reichen Adligen ermordet und ein wertvoller Diamant gestohlen. Holmes, Watson und Inspector Lestrade müssen den Mörder unter den Fahrgästen finden…

Die ganze Handlung findet in einem Zugabteil statt – dieses eng eingeschränkte Set sorgt für ganz gute Atmosphäre, auch wenn sich so alles etwas mehr nach “Murder in the Orient-Express” anfühlt als nach ordentlichem Sherlock Holmes. Spannung kommt aber trotzdem nicht auf, dafür sorgt die ständige Komik und vor allem die emotionale Distanziertheit, die alle Figuren zeigen, und die sich so auch auf die Zuschauer überträgt. Das gilt für die gesamte Filmreihe, hier merkt man es mal wieder besonders, wenn eine Mutter sich vom Tod ihres Sohnes nicht weiter stören lässt, und auch Holmes die Morde weit weniger schlimm wiegt als Diebstahl.

Die Comic Relief Einsätze sind diesmal wieder besonders lästig, vor allem wenn Dödel-Watson daran beteiligt  ist. Bruces Watson ist hier nämlich mehr denn je zurück im Volltrottel-Modus, man ächzt schon immer wenn er im Bild auftaucht; ähnliches gilt für Lestrade – das Holmes von so viel Inkompetenz umgeben überhaupt irgendwas machen kann, grenzt an ein Wunder.

Dressed to Kill (1946)

Story: Eine mysteriöse Frau hat es auf drei eigentlich wertlose Spieldosen abgesehen, und geht dafür auch über Leichen. Holms muss herausfinden, was es mit den Melodien auf sich hat…

Der 14. und letzte Film mit Rathbone und Bruce als Holmes und Watson, und selbst wenn man davor nur drei Filme der Reihe gesehen hat, kann einen hier nichts mehr überraschen, das läuft nach gut etabliertem Muster: Schicker Basil Rathbone macht den Film sehenswert, Bruces Watson ist schon fast gemeingefährlich dumm, die Polizei stellt sich auch furchtbar an, alle sind völlig emotionslos (“Oh, mein Schulfreund wurde ermordet. Tja, was solls.”), und das ganze ist mäßig spannend.

Wie für alle Filme hier gilt, dass eigentlich nichts den Film als typisch Sherlock Holmes auszeichnet – es könnte genauso ein Krimi mit jedem x-beliebigen Detektiv sein. Ich weiß nicht, ob das daran liegt, dass man dachte, Holmes’ Schlussfolgerungsketten würden im Medium Film zuviel Erklärzeit brauchen und sich deswegen nicht eignen, oder ob die Autoren sowas einfach nicht schreiben konnten.

Also, Fazit für die ganze Filmreihe: Die Spannung hält sich in Grenzen, aber dafür sind die Filme immerhin sehr kurz, es ist alles etwas austauschbar statt typisch Sherlock Holmes und Watson ist ein Idiot, dem man an die Gurgel gehen möchte und sich ständig wundert, warum Holmes das nicht schon längst getan hat. Rettung der ganzen Sache ist Basil Rathbone als Holmes, der sich jetzt zwar nicht allzu getreu dem Original gegenüber verhält, aber immerhin charmant ist, meistens schick aussieht und damit gerade so das Interesse ein paar Filme über hochalten kann. Man kann da ruhig mal den ein oder anderen Film gucken, aber zuviel erwarten darf man sicher nicht.

Regisseur: Orson Welles
Drehbuch: Orson Welles, William Shakespeare
Musik: Jacques Ibert
Darsteller: Orson Welles, Jeanette Nolan, Dan O’Herlihy, Roddy McDowall, Edgar Varrier, Alan Napier
Crew: John L. Russell (cinematography)
Erscheinungsjahr: 1948

STORY
Schottland im 11. Jhd: Macbeth (Orson Welles kehrt gerade siegreich vom Schlachtfeld zurück, als er auf drei Hexen trifft, die ihm weissagen, dass er König von Schottland werden wird. Angestachelt durch diese Aussichten schmiedet er mit seiner Frau (Jeanette Nolan) einen Plan, um König Duncan (Erskine Sanford) zu ermorden. Dies glückt, Macbeth wird König – doch sein Gewissen und die Weissagung der Hexen, dass nicht seine, sondern Banquos (Edgar Barrier) Söhne Könige werden würden, lassen ihm keine Ruhe…

REVIEW
Orson Welles Macbeth hat keine einfache Produktionsgeschichte hinter sich: nachdem Welles vergeblich Produzenten an einer Othello-Verfilmung interessiert hatte, wurde ihm schließlich ein Macbeth-Film gewährt – den Welles in 23 Tagen (!) mit einem Minibudget drehte. Als der Film ins Kino kam, wurde er weder von Kritikern noch vom Publikum geschätzt, und das Studio reagierte darauf, dass sie die ganze Cast die Dialoge neu synchronisieren lies und den Film um 20 Minuten kürzte – wie so ein Eingriff einem Regisseur wie Orson Welles gefallen hat, kann man sich denken. Inzwischen wurde die ursprüngliche Filmversion wieder hergestellt, die auch hier besprochen wird.

Man sieht dem Film die Budget- und Zeitlimitationen durchaus an, doch es ist immer noch bemerkenswert, was Welles unter diesen Umständen noch geschaffen hat. Die Inszenierung ist deutlich vom Theater geprägt, doch trotzdem erlangt der Film eine gewisse Epik, und die Massenszenen sind beeindruckend. Die Sets sind fast schon minimalistisch, aber erzeugen doch eine passende Atmosphäre und sind teilweise fast schon surreal. Die Kostüme gehen in die gleiche Richtung: realistisch sind die keineswegs, aber die kuriose Mischung aus verschiedenen Einflüssen und ungewohnten Formen unterstreicht wunderbar die Stimmung des Stücks. Und selbstverständlich ist das alles so virtuos gefilmt wie man es von Welles erwartet: ungewöhnliche Perspektiven, faszinierende Kompositionen und gekonntest Spiel mit Licht und Schatten.

Besonders interessant ist bei dieser Verfilmung, dass das Stück hier als Religionskonflikt ausgelegt wird. Auf der einen Seite ist da Macbeth als Repräsentant des alten, heidnischen Glaubens, der an die Prophezeiungen der Hexen glaubt – und natürlich daran zugrunde geht. Auf der anderen Seite sind Duncan, Banquo, Macduff ect. Anhänger des Christentums, das diesen alten Glauben verneint und bekämpft. Um das zu betonen hat Welles einen neuen Charakter eingeführt, einen Priester (der hauptsächlich die Verse von Ross spricht), und vor allem auf der visuellen Ebene wird dieser Konflikt deutlich unterstrichen: die Christen halten Messen, bekreuzigen sich oft oder halten Taktikdiskussionen vor einem Wegkreuz – und wenn am Schluss das angreifende Heer ein Meer aus Lanzen mit Kreuzen an der Spitze trägt, muss man unweigerlich an einen Kreuzzug denken.

Wie oben geschrieben ließ das Studio die Texte neue einsprechen – in der Originalfassung sprechen die Schauspieler nämlich mit schottischem Akzent. Wobei, schottischer Akzent ist übertrieben, sie sprechen eigentlich normales Englisch mit rollenden Rs. Das ist eine ungewöhnliche Mischung, und gerade am Anfang muss man sich da erstmal einhören um sich an diesen Klang zu gewöhnen – ich hätte durchaus darauf verzichten können. Zum Glück ist Welles ja Hörspiel-geschult und kommt damit mit seinem Akzent recht gut klar.

Orson Welles spielt die Titelrolle mit gewohnt überwältigender Präsenz und überzeugt sowohl als blutrünstiger Tyrann als auch in Momenten verzweifelter Panik. In ein paar Szenen ist er kurz vorm Overacting, aber es funktioniert doch immer gut. Mit Jeanette Nolan als Lady Macbeth hatte ich mehr Probleme – irgendwie war sie mir immer entweder ein wenig zu hysterisch oder ein wenig zu zurückhaltend, und die Entwicklung die sie durchmacht kommt auch sehr abrupt. Vielleicht lag es aber auch einfach daran, dass Nolans “Schottisch” besonders seltsam klingt. Die restlichen Schauspieler sind solide, hinterlassen aber keinen bleibenden Eindruck – außer Malcolm vielleicht, weil der wie ein lästiges, altkluges Kind wirkt, das man wirklich unter keinen Umständen auf dem Thron sehen will…

Welles Macbeth ist eine gelungene Inszenierung des Stücks – mit offensichtlichen Einschränkungen, aber gerade deswegen auch besonders faszinierend. Für Fans von Macbeth und ganz besonders für Fans von Orson Welles ein sehr empfehlenswerter Film.

Picspam

(dessen alberne Kommentare nicht bedeuten sollen, dass der Film lächerlich ist. Ist er echt nicht. Nur wenn man Screenshots aus dem Kontext nimmt)

Ein Must-Have dieser Saison, der modische Trichterhut. Ganz einfach zum selbermachen: Einfach einen Trichter mit Pelz umranden und auf den Kopf stülpen.

Foreshadowing: Manche Leute behaupten, diese ungewöhnliche Rüstung würde das Motiv der Blubberblasen im Kessel der Hexen aufgreifen. Wir wissen es besser und erkennen die Dalek-Referenz.

Noch mehr interessante Hutmode – aber wer will spotten, wenn Welles mit diesem Blick unterwegs ist?

Sorry Orson, aber dieser Gesichtsausdruck ist zu witzig um ausgelassen zu werden *g* Den Thron finde ich übrigens extrem klasse.

Noch ein guter Blick auf Welles Beard of Evil

“I have lived long enough” -
Awww, armer Macbeth, komm her, lass dich drücken…

Orson Welles war nicht besonders glücklich über die Kostüme, die ihm zur Verfügung gestellt wurden, weil er meinte, dass er darin wie die Freiheitsstatue aussehen würde. Ich weiß wirklich nicht, wie er auf diese Idee kam.

Aber im Ernst: Diese Kronenvariante ist eigentlich ziemlich schick, und hat für mich während dem Film nicht sonderlich lächerlich gewirkt.

“Lay on, Macduff!” – dafür gibt es sogar einen finalen Smirk.

]]> http://www.mariakaefer.de/2009/06/06/filmkritik-macbeth-1948/feed/ 0 http://www.mariakaefer.de/2009/03/25/filmkritik-prince-of-foxes-inkl-picspam/ http://www.mariakaefer.de/2009/03/25/filmkritik-prince-of-foxes-inkl-picspam/#comments Wed, 25 Mar 2009 09:17:49 +0000 Maria http://www.mariakaefer.de/?p=4682 Weiter geht´s mit Orson Welles, diesmal in einem ziemlich unbekannten Filmchen mit dem herrlichen deutschen Titel “In den Klauen der Borgia”. Es liegen Welten zwischen The Third Man und Prince of Foxes, und doch gibt es Gemeinsamkeiten: die Filme sind  etwa zeitgleich entstanden, Orson Welles hat in beiden Filmen nur drei Auftritte und stiehlt damit trotzdem allen anderen die Schau. Außerdem erklärt Welles´ Rolle hier als Cesare Borgia, warum er in The Third Man gerade seine berühmte Rede über die Borgia improvisiert.

Regisseur: Henry King
Drehbuch: Milton Krims (Vorlage: Samuel Shellabarger)
Musik: Alfred Newman
Darsteller: Tyrone Power, Wanda Hendrix, Everett Sloane, Orson Welles, Felix Aylmer
Erscheinungsdatum: 1949

STORY
1500: Cesare Borgia (Orson Welles) will ganz Italien erobern. Weil er weiß, dass es bessere Wege gibt als einfach mit der Armee anzugreifen, schickt er seinen Attentäter Andrea Orsini (Tyrone Power) los, um eine Stadt für ihn durch Hinterlist zu erobern. Doch Orsini verliebt sich in die Herrin der Stadt, Madonna Camilla (Wanda Hendrix), und beginnt an seinem Auftrag zu zweifeln…

REVIEW
Vielleicht ist zuerst einmal eine Erklärung angebracht, warum ich mir zum Orson-Welles-Schmachten gerade diesen weder berühmten noch hochgelobten Film ausgesucht hab, der dazu noch nichtmal leicht zu bekommen ist. Zwei Gründe: Ich hab in einem Livejournal eine vielversprechende Review gelesen (die natürlich nicht die Qualität des Films anpreist, sondern den Schmachtfaktor) und dann vor allem ein Promo-Bild gesehen – Orson Welles mit dem Bart und dem Blick, wie konnte ich widerstehen?

Der Film an sich ist nett und ordentlich gemacht, aber nicht bemerkenswert. Die Handlung ist nicht nur vorhersehbar, sondern auch nicht sonderlich interessant, die Charaktere alle ziemlich typisch gezeichnet, und die zentrale Romanze lässt einen eher kalt. Dafür ist alles aber recht flott und unterhaltsam inszeniert, die Schauspieler geben sich Mühe und die Kamera filmt das ganze zwar nicht besonders innovativ, aber doch sehr ansprechend.

Ganz stolz verkündet der Film zu Beginn, dass wann immer möglich alle seine Innen- und Außenaufnahmen an den Originalschauplätzen gedreht wurden. Und das ist auch wirklich einer der erfreulichsten Aspekte des Films, gerade wenn man kürzlich so einige Historienfilme gesehen hat, die in Sets oder in Kalifornien gedreht wurden (Jane Eyre, Wuthering Heights, Hamlet) – hier dann richtige italienische Bauten und Landschaften zu sehen, ist schon eine Freude. Neben den Sets sorgen auch die Kostüme und die Ausstattung für eine tolle Atmosphäre. Aus mangelnden Modekenntnissen der Renaissance kann ich nicht urteilen, ob die authentisch sind, doch sie wirken selten lächerlich und bieten dafür viele schöne Details zum staunen.
Auch sehr gelungen sind die Schlacht- und Kampfszenen, die offensichtlich mit viel Aufwand und Liebe zum Detail inszeniert wurden. Die Kämpfe sind energievoll gefilmt, die Belagerung ist stimmungsvoll-beklemmend gestaltet und auch wenn es interessantere Zweikämpfe gibt, sind die in Prince of Foxes auch gelungen.

Die Schauspieler sind auch ganz nett – Tyrone Power schlägt sich tapfer als Held, ist mir persönlich aber etwas zu langweilig, Wanda Hendrix hat nicht viel mehr zu tun als hübsch auszusehen und Everett Sloane als Freund unseres Helden spielt zwar etwas übertrieben, aber sehr unterhaltsam und sympathisch.

Das beste an Prince of Foxes bleibt aber Orson Welles als Cesare Borgia. Der hat offensichtlich gleich erkannt, dass so ein Film keine oscarreifen Schauspielleistungen braucht, sondern viel eher unterhaltsamen Trash-Faktor um die lahme Handlung auszugleichen. Und so reißt Welles bei jedem seiner Auftritte den Film an sich, schreitet genüsslich durch seine Szenen und spielt den machtgierigen Tyrann augenzwinkernd und wunderbar over-the-top. Wahrscheinlich kann man seine Szenen sogar ohne Doppeldeutigkeiten sehen, aber sobald man mal darauf aufmerksam gemacht wurde, wie viel Slash-Subtext da in seiner Beziehung zu Andrea Orsini mitschwingt, kann man das nicht mehr ausschalten – und es macht alles noch viel mehr Spaß. Welles spielt das ja auch wirklich bis zum Anschlag aus: vom suggestiven Spielen mit Orsinis Dolch in ihrer ersten gemeinsamen Szene bis zum ständigen Einhaken des Arms beim Herumspazieren im Schlosspark.
Die erste Szene der beiden gibt es auch auf Youtube, allerdings wirkt die da irgendwie nicht halb so großartig wie sie eigentlich ist, weil einem in dem kleinen Format so viele von Welles´ herrlichen Gesten und Mimiken verloren gehen.

Prince of Foxes ist ein nettes, harmloses Filmchen, auf das man gut verzichten kann – außer man steht auf Abenteuer-Kostümschinken aus der Zeit der italienischen Renaissance, oder ist so wie ich mit drei kleinen, aber herrlichen Orson-Welles-Szenen zufriedengestellt.

Cesare/Orsini Picspam

“You may go now, all of you, except… Andrea Orsini.”
*DrEvil-Finger* *verträumter-Blick*

Das sieht nicht nur so aus, er knabbert hier wirklich etwas gedankenverloren an seiner Feder herum. Das Feder-Acting in dieser Szene ist überhaupt genial…

“Have you the stomach for greatness?”
Das Herumspielen am Dolch könnte nicht noch zweideutiger sein…

“I congratulate myself!” – Wohl nicht nur zum eigenen Genie, sondern auch zu dem hübschen Burschen an dessen Arm er durch den Garten spaziert.

“Oi! Jetzt flirtet mein Orsini auf einmal mit dieser Tussi da neben mir! Was soll das? Was hat die, was ich nicht habe?  Ah, ich habs:…”

“… einen tiefen Ausschnitt!! Ist’s so besser?”

Ich hab vorhin erwähnt, dass die Kostüme meist stimmig sind – das hier ist die Ausnahme, ich kann mir irgendwie nicht vorstellen, dass irgendwer so rumgelaufen ist…

Und noch ein kleiner Audioclip, weil man nicht Welles-Schmachten kann ohne auf seine Stimme zu kommen:

]]> http://www.mariakaefer.de/2009/03/25/filmkritik-prince-of-foxes-inkl-picspam/feed/ 0 http://www.mariakaefer.de/2009/03/23/big-country-moby-dick-guns-of-navarone/ http://www.mariakaefer.de/2009/03/23/big-country-moby-dick-guns-of-navarone/#comments Mon, 23 Mar 2009 19:21:06 +0000 Maria http://www.mariakaefer.de/?p=4719 Die nächste Orson-Welles-Filmkritik ist schon geschrieben, aber damit hier nicht der Eindruck entsteht, ich würd momentan nur Orson-Welles-Sachen gucken und hören, gibt es hier einen kleinen Einschub: Kurzkritiken zu drei Filmen mit Gregory Peck. Drei Filme, die ich wohl nie geschaut hätte, wenn Gregory Peck nicht mitspielen würde, aber deswegen such ich ja auch Filme gern nach Schauspielern aus, weil man Sachen sieht, die man sonst nicht anrühren würde. Da hätten wir einen Western mit The Big Country, eine Literaturverfilmung mit Moby Dick und einen Kriegsfilm mit The Guns of Navarone.

The Big Country (1958, Weites Land)

STORY
James McKay (Gregory Peck) kommt in den wilden Westen um seine Verlobte Patricia (Carroll Baker) zu heiraten. Dabei gerät er in den Streit, den deren Vater Major Terrill (Charles Bickford) und sein Verwalter Steve Leech (Charlton Heston) mit dem Clan von Rufus Hannassay (Burl Ives) führen – beide Parteien wollen Zugang für ihr Vieh zu dem Fluss auf dem Land von Patricias Freundin Julia Maragon (Jean Simmons).

REVIEW
William Wyler (Regisseur von Wuthering Heights) arbeitete hier nach Roman Holiday (der wird hier auch irgendwann noch mal besprochen…) zum zweiten Mal mit Gregory Peck, und drehte einen großen, langen, epischen Western. Der Film bietet eine ziemlich klassische Story mit Neuling, der gerade erst in den Westen gekommen ist und sich an die Gepflogenheiten gewöhnen muss, einer Romanze, der obligatorischen Feindschaft von zwei Parteien und natürlich ein episches Finale mit Shootout. Nichts überraschendes, aber wirkungsvoll und unterhaltsam. Dass der Film daneben auch eine Allegorie auf den Kalten Krieg ist, ist ziemlich offensichtlich – aber zum Glück nicht besonders aufdringlich, so dass man den Film auch einfach als Western genießen kann. Um seinem Titel gerecht zu werden, bietet der Film jede Menge lange, weite Aufnahmen des amerikanischen Westens – und nachdem diese Bilder wirklich sehr schön sind, vergibt man gern, dass sich das manchmal ein wenig zieht.

Gregory Pecks Charakter ist eigentlich zu edel, moralisch und perfekt um wahr zu sein, aber Peck spielt ihn mit so viel Charme und Charisma, dass er trotzdem nicht langweilig wird sondern wirklich als toller Held funktioniert. Außerdem ist er sowieso die ideale Identifikationsfigur für mich, da er eigentlich Seefahrer ist, und den wilden Westen eben aus dieser Sicht betrachtet – und Westernhelden, die sich mit einem Kompass durch das Land navigieren, haben bei mir ja sowieso gewonnen.
Der Rest der Cast ist aber auch ziemlich klasse – da wäre Charlton Heston in einer eher kleinen, aber doch ziemlich schicken Rolle, Jean Simmons (gerade erst in Hamlet gesehen) ist sehr niedlich und charmant und Burl Ives wurde für seine kraftvolle Darstellung des Hannassay-Oberhaupts mit dem Oscar ausgezeichnet.

Zum Schmunzeln brachte mich eine Szene, in der Gregory Peck seinem Schwiegervater in spe Duellierpistolen überreicht. Ich hatte gerade für die Hausarbeit die ich momentan schreibe etwas über Chekov´s Gun geschrieben, also das Prinzip, das besagt, dass früh eingeführte Gegenstände in Storys später verwendet werden müssen, also wenn man ein Gewehr aufhängt, muss das später auch abgefeuert werden. Schön, dieses Prinzip dann gleich darauf in einem Film veranschaulicht zu bekommen, und noch dazu mit Pistolen

Moby Dick (1956)

STORY
Ishmael (Richard Basehart) drängt es zum Abenteuer auf See und so heuert er auf dem Walfänger von Captain Ahab (Gregory Peck) an. Der hat aber eigentlich ein anderes Ziel als einfach nur Wale zu fangen – er will Moby Dick erlegen, ein gefürchteter weißer Wal, der ihm einst ein Bein abriss…

REVIEW
Ich hab Moby Dick nicht gelesen, und eigentlich hab ich das auch nicht vor – über à„nderungen zum Roman kann ich also nicht berichten. Viele der Probleme, die ich mit dem Film hatte, sind aber wohl Probleme, die ich genauso mit dem Buch hätte – es fällt mir schwer, mit Walfängern zu sympathisieren, es fällt mir schwer einen Wal als dämonisches Monster und Antagonisten zu sehen, und die “wir dürfen das nicht, weil Gott das nicht will”-Argumentation nervt, weil doch eine “wir dürfen das nicht, weil´s dämlich ist und Menschenleben gefährdet”-Argumentation viel einleuchtender wäre. Ich hatte also so meine Schwierigkeiten mit dem Film – zumal diese drei Punkte auch ziemlich ausgewälzt werden, bspw die endlos langen Walschlachtsequenzen. Ansonsten ist der Film aber gut gemacht – die Actionszenen sind rasant, die Atmosphäre auf dem Schiff kommt schön rüber, das Schiff-Set ist hinreißend und der Film scheut sich auch nicht, die Handlung mit vielen ruhigen Szenen zu unterbrechen.

Gregory Peck schlägt sich tapfer als Captain Ahab, auch wenn er eigentlich deutlich zu jung für den Part ist. Er spielt etwas gar überdreht-wahnsinnig, aber irgendwie passt das ja zur Rolle und zu diesem generell recht überdreht-wahnsinnigen Film. Leo Genn spielt ganz gut als Starbuck, Richard Basehart ist etwas blass als Ishmael.

Eins der tollsten Dinge am Film ist vielleicht der Orson-Welles-Bonus: Welles tritt in einer Szene als Father Mapple auf und darf eine Predigt über (Überraschung!) Jona darbieten. Die Szene ist nicht nur wegen Orson Welles toll, sondern der herrlichen Set-Gestaltung: Welles predigt von einer Kanzel in Schiffsform herab. Das gibt dem Begriff “Kirchenschiff” doch gleich ganz neue Bedeutungen *g*. Wenn meine Kirche so aussehen würde, würde man mich da auch öfters finden.

The Guns of Navarone
(1961, Die Kanonen von Navarone)

STORY
Zur Zeit des 2. Weltkrieges, in Griechenland: 2000 britische Soldaten sitzen auf einer Insel fest, können jedoch nicht gerettet werden, weil der einzige Seeweg von zwei mächtigen deutschen Kanonen auf Navarone geblockt wird. Eine kleine Truppe Soldaten wird losgeschickt, um diese Kanonen zu sprengen – unter ihnen Kletterexperte Capt. Keith Mallory (Gregory Peck), Sprengstoffexperte Miller (David Niven) und der Grieche Andrea Stavros (Anthony Quinn).

REVIEW
Ich hab so meine Probleme mit Kriegsfilmen, und in den Momenten in denen in The Guns of Navarone über die Pflichten von Soldaten und die schweren Bürden von Offizieren schwadroniert wird, kann ich auch herzlich wenig mit dem Film anfangen. Allerdings hält sich das in Grenzen, denn über weite Strecken ist dieser Film ein klassischer “Mutige Männer auf unmöglicher Mission”-Abenteuerfilm, und ein recht unterhaltsamer noch dazu.

Die Story besticht jetzt nicht gerade mit Innovation, doch der Film punktet auf anderen Gebieten: Der Film war einer der teuersten seiner Zeit, und das sieht man ihm auch an. Von ziemlich schicken Schiffs-Actionszenen im Sturm, über schöne Aufnahmen der griechischen Landschaften und Städtchen zu aufwändigen Sets mit jeder Menge Statisten – Guns of Navarone macht schon viel her. Vor allem aber überzeugen die Schauspieler, ihre Charaktere und die Dynamik der Truppe. Da ist auch nichts besonders neu, das sind alles Stereotype und klassische Beziehungen zueinander, doch es ist trotzdem sehr effektiv und macht Spaß. Besonders Gregory Peck und David Niven und ihre Chemie ist großartig, aber auch Anthony Quinn macht als dritter Hauptcharakter eine gute Figur.

Laut imdb war Peck enttäuscht davon, dass so viele Zuschauer nicht erkannt haben, dass das doch eigentlich ein Antikriegsfilm ist. à„h ja. Guns of Navarone ist jetzt zwar nicht gerade ein kriegsbefürwortender Film, aber es gibt halt auch sehr wenige Szenen, die sich wirklich gegen Krieg aussprechen. Das ist halt einfach das Setting des Films, das nicht weiter bewertet, sondern einfach hingenommen wird. Aber es ehrt Gregory Peck, dass er zumindest davon überzeugt war, einen Antikriegsfilm zu drehen.

]]> http://www.mariakaefer.de/2009/03/23/big-country-moby-dick-guns-of-navarone/feed/ 5 http://www.mariakaefer.de/2009/03/16/filmkritik-pride-and-prejudice-1940/ http://www.mariakaefer.de/2009/03/16/filmkritik-pride-and-prejudice-1940/#comments Mon, 16 Mar 2009 20:18:41 +0000 Maria http://www.mariakaefer.de/?p=4601 Stolz und Vorurteil ist sicherlich Jane Austens bekanntester Roman, es wundert also nicht, dass es davon nicht nur am meisten Verfilmungen gibt, sondern dass es auch als Vorlage für den ersten Austen-Kinofilm diente. Nachdem ich hier schon zwei aktuellere Adaptionen von Pride and Prejudice besprochen habe, gibt’s jetzt diesen Film mit Greer Garson und Laurence Olivier mit Drehbuch von Aldous Huxley. Über mangelnden Witz braucht man sich hier sicher nicht beschweren – über mangelnde Buchnähe allerdings schon.

Regisseur: Robert Z. Leonard
Drehbuch: Aldous Huxley (Vorlage: Jane Austen)
Musik: Herbert Stothart
Darsteller: Greer Garson, Laurence Olivier, Mary Boland, Melville Cooper, Maureen O´Sullivan, Bruce Lester, Edna May Oliver
Erscheinungsdatum: 1940

STORY
Der reiche Mr Bingley (Bruce Lester) hat gerade ein Anwesen in der Nachbarschaft der Familie Bennet gemietet, was Mrs Bennet (Mary Boland) in heillose Aufregung versetzt: schließlich ist das die Gelegenheit eine ihrer fünf Töchter Jane, Elizabeth, Mary, Kitty und Lydia gut zu verheiraten. Mr Bingley findet auch tatsächlich schnell Gefallen an der schönen Jane (Maureen O´Sullivan), doch sein Freund Mr Darcy (Laurence Olivier) ist wenig beeindruckt vom unmöglichen Verhalten der restlichen Bennet-Familie. Dabei verliebt er sich selbst in Elizabeth (Greer Garson) – die ihn allerdings schnell als stolzen, arroganten Schnösel abgeschrieben hat…

REVIEW
Wenn eine Verfilmung von Pride and Prejudice mit der Tagline “The Gayest Comedy Hit of the Screen! Five Gorgeous Beauties on a Mad-Cap Manhunt!” wirbt, kann man sich darauf einstellen, dass es wohl nicht die getreueste Adaption wird, und dass man diverse Albernheiten erwarten darf. Der Film enttäuscht nicht: Es sind noch keine 10 Minuten vergangen, und man hat schon nicht nur die lächerlichsten Bonnets der Modegeschichte auf die Köpfe der Heldinnen gepflanzt, sondern auch ein Pferdekutschenrennen zwischen Mrs Bennet und Lady Lucas veranstaltet.

Die erste Hälfte des Romans wird halbwegs getreu erzählt, da bleibt die grobe Handlung eigentlich gut erhalten. Allerdings ist der Film schon bei gut 80 Minuten wenn man die Hälfte des Romans erreicht hat – man kann sich also schon mal drauf einstellen, dass die zweite Hälfte wohl deutlich gekürzt werden musste. Und ja, da geht dann wirklich alles drunter und drüber, logische Storyentwicklung wird über Bord geworfen und alles vermischt, bis man am Schluss irgendwie alle Bennet-Schwestern mit Ehemännern versorgt hat. Die letzte halbe Stunde ist wirklich völlig verwirrt, da muss man halt einfach das Hirn abschalten. Ich schätze Aldous Huxley, der hier das Drehbuch geschrieben hat, ja wirklich sehr, und vier Jahre später hat er das Zusammenstauchen einer zweiten Romanhälfte bei Jane Eyre auch gut hinbekommen, aber hier geht das doch ziemlich schief.
Was auch so gar nicht passt, ist die Mode die im Film getragen wird, wobei sich daran wohl nur Leute stören, die sich näher mit Mode beschäftigen. Austens Romane spielen ja eigentlich in der Regency-Zeit, modisch bedeutet das Empire-Linie und schmal fallende, eher einfache Kleider. Bei diesem Film hat nun offenbar der Kostümdesigner beantragt, die Handlung ein paar Jahrzehnte später anzusiedeln – und so haben wir jetzt die Bennets in Korsetts, Reifrock, Schleifchen und pompösen Pluderärmeln und der schon erwähnten absurden Hutmode, die wohl nie jemand irgendwann getragen hat.

Abgesehen von den à„nderungen und der chaotischen letzten halben Stunde ist der Film aber ganz unterhaltsam. Sehr viel Witz, etwas nette Romantik, ein flottes Tempo und ganz ordentliche Schauspieler. In den Nebenrollen überzeugen vor allem Melville Cooper als Mr Collins und Edna May Oliver als Lady Catherine, recht blass bleiben aber leider Mr Bingly und Wickham, deren Szenen sowieso auf das nötigste reduziert wurde. Und auch die Hauptcharaktere machen den Film sehenwert: Greer Garson wirkt etwas zu sehr wie eine Hollywood-Diva um als gute Lizzy durchzugehen, doch sie passt schon in diesen Film und spielt gut, während Laurence Olivier, mein Hauptgrund diesen Film zu sehen, natürlich auch nicht enttäuscht. Oliviers ist wunderbar und schnuffig und charismatisch – und hat so gut wie gar nichts mit Darcy zu tun. Er ist viel zu nett, zugänglich, charmant, offen und hilfsbereit, von Austens Darcy ist tatsächlich nicht mehr viel übrig. Dafür Olivier die Schuld zu geben, ist wohl unfair – Darcy wurde hier einfach so geschrieben. Das ist nicht nur der Vorlage ungetreu, das erzeugt auch handlungstechnisch einige Probleme, weil die Story einfach mit einem netten Darcy etwas seltsam wirkt. Aber nachdem bei diesem Film sowieso schon irgendwie alles egal ist, kann man darüber hinwegsehen und sich über einen schnuffigen Olivier freuen.

Als Literaturverfilmung ist diese Pride and Prejudice-Version eine mittlere Katastrophe, einfach nur als Film für sich genommen aber ziemlich unterhaltsam, und als Olivier-Schmacht-Vehikel durchaus empfehlenswert. Wenn man da also mit den richtigen Erwartungen rangeht, dann kann man wirklich seinen Spaß haben – wer eine anständige Verfilmung von Pride and Prejudice sehen will, sollte sich aber doch an die BBC-Miniserie halten.

THE 39 STEPS (1935)

Richard Hannay (Robert Donat) hat eigentlich nur ganz harmlos eine Theateraufführung besucht, als sich ihm plötzlich die mysteriöse Anabella Smith (Lucie Mannheim) aufdrängt. Die erklärt ihm, dass sie eine Spionin ist und äußert wichtige Informationen für jemanden in Schottland hat. Als sie in seiner Wohnung ermordet wird, steht Hannay plötzlich unter Mordverdacht – und flüchtet nach Schottland, um dort die Kontaktperson von Smith zu treffen. Verfolgt von Polizei und feindlichen Spionen trifft er auf Pamela (Madeleine Carroll).

Der einzige Film in dieser Box, der noch aus Alfred Hitchcocks England-Zeit stammt, und wahrscheinlich auch der bekannteste aus dieser Zeit. Die erste von inzwischen vier Verfilmungen des gleichnamigen Romans von John Buchan bleibt die beliebteste. Die BFI listet ihn sogar als viertbesten britischen Film aller Zeiten – eine Ehre, die ich jetzt aber nicht so ganz nachvollziehen kann. Ohne Zweifel ist 39 Steps ein toller Film, aber so gut dann auch wieder nicht.

Als flotter, spannender, witziger und gut inszenierter Spionagefilm macht sich 39 Steps aber natürlich sehr gut. Das “Mann auf der Flucht vor praktisch der ganzen Welt”-Szenario gibt natürlich viel Spannung her, und die Romanze mit Pamela, die in der Vorlage nicht existiert, wirkt gar nicht zu sehr aufgesetzt, sondern bietet jede Menge humorvolle und unterhaltsame Szenen. Robert Donat spielt Hannay charmant und witzig, aber vielleicht ein wenig zu sorgenlos für einen Mann in seiner Situation. Auch Madeleine Carroll ist ziemlich knuffig, sie kommt zwar erst nach der Hälfte der Story wirklich in den Film, hinterlässt aber einen bleibenden Eindruck. Und das nicht nur durch die unmöglichen Klamotten, die sie hier tragen muss, aber gut, das war eben vor der Zeit, in der Hitchcock mit Edith Head zusammengearbeitet hat und mit ihr Modetrends setzte…

Obwohl vielleicht nicht gerade der viertbeste britische Film aller Zeiten, ist The 39 Steps trotzdem äußerst unterhaltsam, gut gemacht und somit sehr empfehlenswert. Und ich bin jetzt mal gespannt auf die neueste Verfilmung des Romans der BBC, mit Rupert Penry Jones…

SPELLBOUND (1945)

Die verschlossene Psychologin Constance Petersen (Ingrid Bergman) bekommt einen neuen Vorgesetzten, Dr Anthony Edwardes (Gregory Peck). Die beiden verlieben sich – doch bald wird klar, dass Dr Edwardes selbst ein dunkles Geheimnis verbirgt, das Constance mit psychologischen Mitteln zu lüften versucht…

Nach Rebecca der zweite Film, den Hitchcock für David O. Selznick gedreht hat, dieses Mal eine Adaption des Roman The House of Doctor Edwardes. Die Darstellung von Psychoanalyse ist natürlich den filmischen Zwecken angepasst und entspricht nicht unbedingt der Realität – aber das erwartet man ja eh nicht. Als Mittel um Spannung zu fördern und das langsame Aufdecken der Wahrheit zu ermöglichen, funktioniert das bestens, und darauf kommt es ja an. Letztlich ist der Film ja wie The 39 Steps ein Film über einen Mann auf der Flucht, der ein Geheimnis aufdecken muss – und hier wie dort gelingt es Hitchcock bestens, das in eine flotte und unterhaltsame Story umzusetzen.

Der Spannung hilft auch enorm, dass man mit den Hauptfiguren so sehr mitfühlt. Bergmans Constance ist eine sehr sympathische Heldin, während man Pecks Charakter auch sehr schnell ins Herz schließt, und gerade deswegen so sehr um ihn bangt, weil von ihm immer eine gewisse Gefahr ausgeht, die ihm sogar selbst unbewusst ist. Beide spielen auch sehr gut, wobei ich natürlich als Gregory-Peck-Fangirl da nicht gerade objektiv urteilen kann. Schon gar nicht, wenn er noch so jung ist (Spellbound war erst sein vierter Film)…

Sehr großartig ist auch die Traumsequenz, für die man sich Salvador Dalà­ ins Boot geholt hat. So sind die natürlich fantastisch surrealistisch geworden, überzeugend traumhaftig und ein wirkliches Highlight des Films. Hitchcock hat da anscheinen eine viel längere Sequenz gedreht als die, die jetzt im Film ist – schrecklich schade, dass die heute verloren ist. Abgesehen von dieser Traumsequenz ist auch die restliche Inszenierung von Hitchcock wie üblich sehr toll. Besonders angetan hat es mir die Szene, in der Peck nachs mit einem Rasiermesser durchs Haus wandelt, die ist nervenzerreißend spannend gedreht…

Also: spannender Thriller eingebettet in ganz unterhaltsame Pseudo-Psychoanalyse, mit tollen Schauspielern, klasse Inszenierung und Oscar-prämierter Musik. Ein sehr sehenswerter Film – und für Gregory-Peck-Fans ein absolutes Muss.

NOTORIOUS (1946)

Alicia Huberman (Ingrid Bergman), Tochter eines Nazi-Spions, wird von Devlin (Cary Grant) als Spion für die USA rekrutiert und beide reisen nach Brasilien. Gerade, als sich Alicia und Devlin verliebt haben, bekommt Alicia ihren Auftrag: Sie soll ihren alten Verehrer und Nazi Alex Sebastian (Claude Rains) treffen und ihm Informationen entlocken. Devlin ist aber so gar nicht glücklich darüber, dass sich Alicia an Alex heranmacht…

Der größte Reiz des Films ist die Dreiecksbeziehung zwischen Devlin, Alicia und Alex, die wird sehr schön aufgebaut und von den drei Schauspielern aus mit so einiger Spannung gespielt. Aber manchmal wünscht man sich, dass Cary Grant etwas mehr von seiner Zuneigung zu Alicia zeigen würde. Da hat man eine der berühmtesten Kussszenen (die fast drei Minuten dauert, obwohl die damaligen Hollywood-Vorschriften nur drei Sekunden erlaubten), und Grant sieht die meiste Zeit aus, als ob er sich nichtmal anstrengen würde und nur das Gesicht hinhält um sich von Bergman küssen zu lassen. Das mag teilweise zum Charakter gehören, ein bisschen mehr Emotionen darf ein frisch Verliebter aber doch zeigen.
Die Verschlossenheit von Grant macht Bergmans Alicia wieder wett: Alicia ist eine wunderbare, interessante Figur, auf die das “notorious” des Titels absolut zutrifft, die aber doch jederzeit die Sympathien der Zuschauer gesichert hat. Solchen Heldinnen folgt man gern durch den Film. Claude Rains komplettiert das Trio mit einer sehr guten Darstellung, mit der er sich sicher nicht hinter den großen Stars verstecken muss, sondern sie eher an die Wand spielt.

Auch die eigentliche Spionagehandlung sorgt für gute Spannung, das ganze ist wie gewohnt toll inszeniert, und schön flott und kurzweilig – definitiv ein Film, den man absolut empfehlen kann.

Ich hab hier mal kurz in die Synchro reingehört, weil es eine alte deutsche Synchrofassung gibt, in der aus den Nazis Drogenschmugglern werden, und ich sehen wollte, ob die auf der DVD drauf ist. Ist sie nicht – und meine Güte, ist die Synchro, die drauf ist, schlecht! Ich will gar nicht wissen, ob die bei den anderen Filmen in dieser Box auch so mies ist…

THE PARADINE CASE (1947)

Der erfolgreiche Anwalt Anthony Keane (Gregory Peck) soll Mrs Paradine (Alida Valli) verteidigen, die angeklagt ist, ihren blinden Mann vergiftet zu haben. Keane verliebt sich in seine mysteriöse und attraktive Klientin, doch seine Frau Gay (Ann Todd) will den Glauben an ihren Mann nicht verlieren.

Man kann Hitchcock ja nicht immer großartig finden: The Paradine Case fällt ziemlich hinter den anderen Filmen in dieser Sammelbox ab. Wobei die Schuld daran vielleicht nicht unbedingt Hitchcock trägt: Der hatte nämlich eine fast dreistündige Version abgeliefert, die dann von Produzent Selznick auf 132 und später auf 114 Minuten zusammengekürzt wurde, außerdem hat Selznick einige von Hitchcocks Szenen selbst noch mal nachgedreht. Nachdem heute nur noch die 114-Minuten-Version existiert, kann man nicht sagen, ob Hitchcocks Film besser gewesen wäre – die Fassung hier hat jedenfalls so einige Schwächen.

The Paradine Case schafft es zum einen nicht, dass dem Zuschauer die Charaktere näher gebracht werden. Ihre Motivationen werden nicht groß ausgeleuchtet und ihr Schicksal liegt einem nicht besonders am Herzen. Einzige Ausnahme hier ist Ann Todd als Gay Keane, die ihre interessante Figur eindringlich spielt, so dass man wenigstens hier mitfiebert. Aber die restlichen Charaktere lassen einen ziemlich kalt – und damit verliert man auch das Interesse an der Story. Gegen Ende reißt sich der Film da wieder etwas hoch, denn Gregory Peck macht sich sehr ordentlich im Gerichtssaal und so kommt endlich etwas mehr von dem Gefühlskonflikt durch, den Keane durchlebt, doch eigentlich ist das schon zu spät.

Das ist gerade deswegen ziemlich schade, weil die Geschichte ja eigentlich wirklich Potential hat: Ein Anwalt, der sich in seine dem Mord angeklagte Klientin verliebt, seine Objektivität bei der Arbeit verliert, und dessen Frau weiter um ihren Mann kämpft. Das hat was, aber es wird nicht viel daraus gemacht. Am besten sind noch die Szenen zwischen Keane und seiner Frau, gerade weil seine Frau nicht besonders typisch auf ihren untreuen Gatten reagiert, doch auch hier wäre mehr drin gewesen. Bleibt also ein halbwegs solider Gerichtsfilm, den man wohl nur als Hitchcock-Komplettist gesehen haben muss. Immerhin kann man Gregory Peck anschmachten, das ist ja auch was wert.

]]> http://www.mariakaefer.de/2009/03/09/filmkritik-hitchcock-collection/feed/ 2 http://www.mariakaefer.de/2009/03/05/filmkritik-rebecca/ http://www.mariakaefer.de/2009/03/05/filmkritik-rebecca/#comments Thu, 05 Mar 2009 17:14:21 +0000 Maria http://www.mariakaefer.de/?p=4433 Dafür, dass ich Hitchcock-Filme so gut wie immer großartig finde, kenne ich eigentlich viel zu wenige davon. Schön also, wenn meine übliche “Filme nach Schauspielern aussuchen”-Methode mich auch mal wieder zu Hitchcock führt. Hier also dessen erster Film in Hollywood, eine Verfilmung des zwei Jahre davor erschienenen Romans Rebecca von Daphne Du Maurier, mit Joan Fontaine und Laurence Olivier in den Hauptrollen. 2 Oscars gewonnen, für 9 weitere nominiert, und das absolut verdient.

Regisseur: Alfred Hitchcock
Drehbuch: Robert E. Sherwood, Joan Harrison (Vorlage: Daphne Du Maurier)
Musik: Franz Waxman
Darsteller: Joan Fontaine, Laurence Olivier, Judith Anderson, George Sanders, Nigel Bruce
Erscheinungsdatum: 1940

STORY
Eine junge Frau (Joan Fontaine) aus einfachen Verhältnissen lernt in Monte Carlo den reichen Witwer Maxim de Winter (Laurence Olivier) kennen. Die beiden verlieben sich und heiraten, und ziehen in Maxims opulentes Anwesen Manderley in England. Seine junge Gattin hat jedoch Probleme, mit ihrem neuen Lebensstil klar zu kommen – und sie leidet unter der ständigen Präsenz von Maxims toter Frau Rebecca in dessen Leben, die vor einem Jahr in einem Bootsunfall umgekommen war. Besonders die Haushälterin von Manderley, Mrs Danvers (Judith Anderson), will keinen Ersatz für Rebecca an Maxims Seite sehen…

REVIEW
Ich habe Daphne Du Mauriers Roman noch nicht gelesen, also war das hier meine erste Begegnung mit der Geschichte. Es werden ja immer wieder die Parallelen zu Jane Eyre erwähnt, allerdings finde ich, dass sich die doch ziemlich in Grenzen halten. Ein paar Ideen teilen sich die Romane, und Maxim de Winter gibt einen wunderbaren Rochester ab, das wars aber auch schon. Nicht zuletzt wegen dem Einsatz von Produzent David O. Selznick wurde der Roman hier auch recht getreu verfilmt – auch wenn den damals noch geltenden Moralrichtlinien Hollywoods ein wichtiges Detail geändert werden musste.

Die wohl größte Stärke des Films ist die Darstellung des Hauses, Manderley. Das von Rebeccas Präsenz erfüllte Haus strahlt eine unheimlich bedrückende Atmosphäre aus und entwickelt so fast ein Eigenleben. So ganz subtil ist Hitchcock dabei nicht immer, beispielsweise prangt an allen Ecken und Enden ein “R” – aber es funktioniert hervorragend. Dazu gehört natürlich auch Mrs Danvers, die man erst mal nur als etwas seltsame Haushälterin kennen lernt, die sich aber schnell zu einer fast schon dämonischen Kraft entwickelt. Auch wiederum wenig subtil, aber extrem wirkungsvoll. Manderley und Mrs Danvers bauen zusammen eine äußerst beklemmende Stimmung auf, die sehr stark zur sich steigernden Spannung beiträgt.

Hitchcocks Inszenierung ist ja sowieso großartig – eines der besten Beispiele ist vielleicht die Szene, in der Maxim ein Geheimnis offenbart: Das ist eine 13-Minuten-Szene, in einem Raum, in der die meiste Zeit Laurence Olivier was erzählt. Das hätte so schnell langweilig werden können – unter Hitchcock wurde es zu einer der faszinierendsten Szenen im Film; ich musste mich wirklich zurückhalten beim Anschauen nicht den Film zu stoppen um die Szene gleich noch mal zu sehen.

Die Schauspieler sind auch ganz famos – die drei zentralen Darsteller wurden nicht zu unrecht für den Oscar nominiert. Joan Fontaine spielt das junge, unerfahrene und verunsicherte Mädchen mit viel Charme. Anfangs kommt sie erfrischen natürlich rüber, später wirkt auch die zunehmende Beklemmung und Verzweiflung nicht aufgesetzt. In Jane Eyre hatte mich Fontaine nicht besonders überzeugt, in diesem Film kann sie dagegen wirklich glänzen (ich denke, es ist auch wirklich einfacher, gegenüber Olivier statt Welles zu spielen…).

Laurence Olivier darf auch strahlen, er hat ja auch eine wunderbare Rolle bekommen, in der er sich ganz ausleben kann: zum Teil verzaubernd romantisch-charmant, dann wieder mürrisch und verschlossen, zwischendurch mit Wutausbrüchen und dann wieder verzweifelt resignierend. (Und in der 17. Minute macht er so eine niedliche Geste, dass ich dafür wohl lernen muss wie man gif-Videos erstellt um sie euch zeigen zu können…)

Judith Anderson, für die Rebecca erst ihr zweiter Film war, gibt dazu eine tolle Darstellung als Mrs Danvers ab, sie ist äußerst unheimlich und bedrohlich. Dabei gelingt es ihr aber, ihre Figur nicht ins karikative abdriften zu lassen, obwohl diese Gefahr bei so einem Charakter doch immer besteht. Hitchcock ist anscheinend bei der Darstellung der Mrs Danvers recht stark vom Buch abgewichen, aber nachdem ich das noch nicht kenne, braucht mich das ja nicht zu stören.

Rebecca ist ein großartiger Film – unheimlich, spannend, mit einer angemessenen Dosis Witz und Romantik, sehr schön gefilmt, genial inszeniert und mit tollen Darstellern. Sollte man wirklich sehen – als Olivier-Fan, als Fontaine-Fan, als Hitchcock-Fan oder einfach als Fan guter Filme.

Regisseur: William Wyler
Drehbuch: Charles MacArthur, Ben Hecht (Vorlage: Emily Brontë)
Musik: Alfred Newman
Darsteller: Laurence Olivier, Merle Oberon, David Niven, Flora Robson, Geraldine Fitzgerald, Donald Crisp, Hugh Williams
Erscheinungsdatum: 1939

STORY
Mr Earnshaw bringt von einer Reise ein Waisenkind mit nach Hause nach Wuthering Heights: Heathcliff. Earnshaws Tochter Catherine freundet sich schnell mit ihm an, doch sein Sohn Hindley kann ihn nicht ausstehen. Als sie älter werden, verbindet Heathcliff (Laurence Olivier) und Catherine (Merle Oberon) eine tiefe Liebe, doch Hindley (Hugh Williams) erniedrigt Heathcliff zu Dienerarbeiten. Catherine freundet sich derweil mit dem reichen und eleganten Edgar Linton (David Niven) an…

REVIEW
Ich hatte ehrlich gesagt nicht viel von dieser Verfilmung erwartet. Meine bisherigen Erfahrungen haben gezeigt, dass sich Wuthering Heights wohl nicht gut verfilmen lässt, und dann eine Hollywood-Version, die das halbe Buch ignoriert und wohl wegen Studiodruck auf ein Happy End getrimmt wurde? Kann doch nicht gut gehen. Dann kam die Kindheit der Protagonisten, und ich war begeistert, wie gut die gelungen waren – und erwartete doch, dass es danach bergab gehen würde. Ging es aber nicht – der Film schafft es wirklich, dieses begeisternde Niveau fast bis zum Schluss zu halten. Insbesondere was die Darstellung von Cathy und Heathcliff angeht, kann diese Version so richtig punkten.

Diese Verfilmung ist natürlich auch nicht perfekt. Das fängt schon mit dem offensichtlichen an: Der Film lässt die zweite Hälfte des Romans völlig aus. Allerdings muss man ja zugeben, dass das bei diesem Roman tatsächlich funktioniert, und es hat ja auch etwas gutes, dass nur der erste Teil des Romans verfilmt wurde: Hätte man sonst die gesamte Story gestaucht in die Spielfilmlaufzeit quetschen müssen, kann man sich so für die erste Hälfte des Romans richtig Zeit nehmen. Da nimmt man sich zwar auch die ein oder andere Freiheit, doch eigentlich bleibt das Drehbuch dem Roman recht treu, und verwendet auch viele Originaldialoge.
Auch ein paar andere Kleinigkeiten sind nicht ganz geglückt: Da der Film in Kalifornien gedreht wurde, hat er natürlich nicht die eindrucksvollen Naturaufnahmen, die ein Wuthering-Heights-Film eigentlich schon bräuchte. Und dann ist da noch die Musik. Es ist ja eigentlich nicht fair, einem Film Dinge negativ anzurechnen, für die er eigentlich nichts kann weil er sie seiner Entstehungszeit zu verdanken hat. Trotzdem: der Soundtrack mit schwelgenden Geigenklängen versucht angestrengt, den Film in Richtung “klassische Hollywood-Romanze” zu schieben, und mag halt so rein gar nicht zur eigentlichen Stimmung der Geschichte passen. Der Soundtrack wurde Oscar-nominiert, damals kam dieser Stil also durchaus gut an – heute wirkt es einfach unangenehm antiquiert.

Aber das sind alles Dinge, die für mich neben den Stärken des Films verblassen. Das ist die erste Wuthering-Heights-Verfilmung die ich gesehen habe, bei der ich das Gefühl hatte, dass die Cathy-Heathcliff-Beziehung wirklich stimmt. Dieser Film bekommt die Charakterisierungen seiner beiden Hauptcharaktere wirklich hin, und bringt vor allem die Liebe und Seelenverwandtschaft der beiden so kraftvoll auf die Leinwand wie keiner der anderen Filme die ich kenne.
Cathy darf fast alle ihre Facetten aus dem Buch behalten – sie ist wild und ungestüm, sehnt doch ein elegantes, “besseres” Leben herbei, darf grausam zu Heathcliff und Linton sein, darf trotzdem beide ehrlich lieben und wirkt trotz ihrer Gegensätze nie widersprüchlich. In der zweiten Hälfte des Films weicht die Charakterisierung dann stärker von der Vorlage ab, funktioniert aber immer noch recht gut. Merle Oberon spielt auch abgesehen von dem ein oder anderen überdramatischen Moment ziemlich gut.

Und auch Heathcliff ist gut getroffen und wird von Laurence Olivier toll gespielt. Olivier ist zwar auch manchmal nahe dran, etwas zu sympathisch zu wirken, doch meist liegt das einfach nur daran, dass er Heathcliffs ganze finsteren Emotionen recht zurückhaltend präsentiert – da brodelt es eher im Inneren, als dass er es durch Gesten zum Ausdruck bringt und generell sehen wir so mehr Schmerz als Hass. Ich vermute zwar, dass der Film sicher in die “zu sympathischer Heathcliff”-Falle getappt wäre, wenn auch die zweite Hälfte des Romans verfilmt worden wäre – aber das wurde sie ja nicht, also machen wir uns da mal keine Gedanken.
Wie schon gesagt stimmt vor allem auch die Chemie zwischen den beiden – in anderen Verfilmungen des Romans glaubt man die Beziehung der beiden halt, weil sie sie uns erklären; dieser Film ist der erste den ich sehe, in dem man die Liebe der beiden auch wirklich spürt.

Auch die anderen Darsteller überzeugen. David Niven ist solide, hat aber wenig zu tun, dafür darf aber seine Filmschwester Geraldine Fitzgerald mit einer sympathischen und zu Herzen gehenden Performance beeindrucken. Und die Kinderdarsteller von Cathy und vor allem Heathcliff sind auch ziemlich klasse.

Diese Verfilmung ist jetzt wohl meine liebste Wuthering-Heights-Verfilmung. Mit offiziellem Titel “Beste Verfilmung der ersten Hälfte des Romans” oder so – aber hey, das, was verfilmt wird, wird ja wirklich gut verfilmt. Schade, dass es damals noch keinen solchen Fortsetzungswahn gab wie heute, sonst hätten wir ein paar Jahre später sicher noch “Heathcliff Returns: The Forgotten Years of Wuthering Heights” bekommen…
Also: Ein sehr sehenswerter Film, den sich alle Fans von Wuthering Heights unbedingt ansehen sollten – vorausgesetzt man stört sich nicht zu sehr daran, dass die Hälfte des Romans fehlt. Und Laurence Olivier wird diesem Blog in Zukunft sicherlich noch den ein oder anderen Besuch abstatten.

Singin´ in the Rain (1952)

Einer dieser Filme, bei denen einfach alles stimmt. Die Geschichte wird mit viel Schwung und noch viel mehr Witz erzählt, die Einblicke in die Filmindustrie und die Seitenhiebe auf Stars und Hollywoodgepflogenheiten sind herrlich und die Charaktere wachsen einem wirklich ans Herz. Der Film hat schließlich nicht nur wunderbare Hauptdarsteller mit Gene Kelly, Debbie Reynolds und Donald O´Connor, sondern auch unvergessliche Nebenrollen wie Jean Hagen als herrlich biestige Lina Lamont.

Und natürlich sind die Song- und Tanzsequenzen ganz große klasse. Die “Singin´ in the Rain”-Nummer ist sowieso schon ein absoluter Klassiker, da gibt es dem vielen Jubel nichts hinzuzufügen, aber viele der anderen Musicalnummern im Film stehen dem eigentlich in nichts nach, so wie “Good Morning”, “Moses Supposes” oder “Make `em laugh”. Ich hab den Film vor einer Woche gesehen, und immer noch hab ich ständig diese Songs abwechselnd als Ohrwürmer. Nicht das schlimmste, was einem passieren kann. *g*

Wer also auch nur ein kleines bisschen was für Musicals übrig hat und diesen Film noch nie gesehen hat, sollte das schleunigst nachholen – ich garantiere jede Menge Spaß. Das American Film Institute hat Singin´ in the Rain auf Platz 5 ihrer “Beste amerikanische Filme aller Zeiten”-Liste gewählt – sicher nicht ganz unverdient.

An American in Paris (1951)

An American in Paris hatte auch schon viel von dem, was Singin´ in the Rain ein Jahr später so genial machen sollte, aber hier schleichen sich doch einige Probleme ein. Am meisten schwächelt wohl die Liebesgeschichte – zum einen wird die Romanze einfach nicht glaubwürdig aufgebaut, sondern ist dann halt einfach da, und zum anderen bleibt Debütantin Leslie Caron einfach ziemlich blass. Das Setting in Paris ist zwar nicht übel und auch hübsch gestaltet, es kann der schicken Hollywood-Umgebung von Singin´ in the Rain aber einfach nicht das Wasser reichen. Die Musicaleinlagen gehören in diesem Film natürlich ebenfalls zu den Highlights, ich mag vor allem das knuffige “I Got Rhythm”, “S Wonderful” und “By Strauss”. Allerdings tragen dann gerade wieder die Musicaleinlagen zu den Schwächen des Films bei – die Orchesternummer mit Oscar Levant ist etwas lahm, und die große Shownummer zum Finale ist zwar eigentlich ziemlich schick, aber einfach zu lang. Da hat man eine 15-Minütige Tanzeinlage ohne Gesang – wenn ich so was sehen will, guck ich Ballet und kein Hollywood-Musical.

An American in Paris ist also durchaus sehr unterhaltsam und ein guter Film – aber warum dieser Film 6 Oscars bekommen hat, während Singin´ in the Rain leer ausging, ist mir schleierhaft. (Okay, nicht wirklich – die Academy kann halt nicht in zwei aufeinanderfolgenden Jahren ausgiebig Gene-Kelly-Musicals auszeichnen. Singin´ in the Rain hätte es aber trotzdem tausendmal mehr verdient)

Und weils so schön ist, gibts gleich noch zwei Videos aus Singin’ in the Rain dazu, um euch auch mit meinen Ohrwürjmern anzustecken – zum einen den Titelsong, und zum anderen Moses Supposes, bei dem man Gene Kellys Tanzkünste anschmachten kann:

Ich will jetzt Steptanz lernen.

Regisseur: Robert Stevenson
Drehbuch: Aldous Huxley, John Houseman, Robert Stevenson (Vorlage: Charlotte Brontë)
Musik: Bernard Herrmann
Darsteller: Joan Fontaine, Orson Welles, Peggy Ann Garner, Margaret O´Brian, Hillary Brooke, Elizabeth Taylor, Edith Barrett, Henry Daniell
Erscheinungsdatum: 1944

STORY
Die kleine Waise Jane Eyre (Peggy Ann Garner) wird von ihrer Tante, bei der sie aufwächst, verachtet, und so ist es auch eine Erleichterung für sie, als sie in eine strenge Schule abgeschoben wird. Als erwachsene Frau (Joan Fontaine) sucht sie sich eine Stelle als Gouvernante. Diese findet sie auf Thornfield Hall bei dem verschlossenen Edward Rochester (Orson Welles), dessen Adoptivtochter Adele (Margaret O´Brian) sie unterrichten soll. Jane und Rochester entwickeln bald eine tiefe Freundschaft, doch Rochester plant nicht nur die schöne Blanche Ingram (Hillary Brooke) zu heiraten, sondern verbirgt auch noch eine Geheimnis aus seiner Vergangenheit. Zudem tun sich auf Thornfield Hall ungewöhnliche Dinge…

REVIEW
Hui, was da im Vorspann an illustren Namen auftaucht: Drehbuch von Aldous Huxley, Musik von Bernard Herrman, und auch wenn Orson Welles nur als Hauptdarsteller genannt wird, ist doch bekannt, dass er auch hinter der Kamera einen wichtigen Einfluss auf den Film hatte. Da kann ja eigentlich nicht mehr viel schief gehen. Ein paar Fehltritte erlaubt sich der Film aber doch, während ein paar andere Dinge aus heutiger Sicht unglücklich wirken, die man wohl einfach den damaligen Filmkonventionen zuzuschreiben hat.

Die Handlung wird im Großen und Ganzen recht Romangetreu erzählt, doch stellenweise nimmt man sich doch einige Freiheiten oder kürzt ganz gewaltig. Überraschend ist wohl, dass die Kindheit von Jane recht ausführlich gezeigt wird, wo eine noch ganz junge Elizabeth Taylor als Helen guten Einfluss auf Jane ausüben darf. Dafür muss dann aber am Ende stark gekürzt werden: der ganze St.-John-Plot wird komplett gestrichen, an seine Stelle in der Handlung tritt die Sache mit der sterbenden Mrs. Reed. Das klingt äußert fragwürdig, funktioniert aber erstaunlich gut. Für Buchkenner wirkt der Schluss deswegen zwar schon ein wenig so, als ob man gemerkt hätte, dass die Laufzeit ausgeht, und man deswegen kräftig aufs Gaspedal drücken musste. Allerdings muss man dem Film zugestehen, dass man dieses Gefühl wohl nicht bekommt, wenn man die Geschichte noch nicht kennt – die Entwicklungen am Ende wirken eigentlich ganz natürlich und gar nicht allzu gehetzt.

Mit geschicktem Spiel mit Licht und Schatten und mit großzügigem Nebeleinsatz wird versucht, dem Yorkshire-Schauplatz und vor allem der Schauerroman-Atmosphäre des Romans gerecht zu werden. Manchmal wirkt das ein wenig gar künstlich (die erste Begegnung von Jane und Rochester sieht durch die Nebelschwaden ein wenig so aus, als ob sie auf einer Wolke spielen würde), aber in den meisten Fällen ist die Bildgestaltung sehr geglückt und stimmungsvoll – was wir wohl nicht zuletzt Orson Welles zu verdanken haben.

Orson Welles ist neben Herumwerkeln hinter der Kamera natürlich auch ein fantastischer Rochester – seine Charakterisierung entspricht zwar vielleicht nicht immer der des Romans, aber jegliche Abweichungen macht er einfach mit charismatischen Orson-Welles-Eigenheiten wett. Beispielweise seine Stimme. Hach, die Stimme. Ich muss hier einfach einen kleinen Soundclip einfügen, in dem Rochester so richtig schön dahinwettert (leichte Spoiler):
Und vor allem auch einfach seine wahnsinnige Präsenz: wann auch immer er auftritt dominiert er sofort jede Szene, zieht jeden in seinen Bann und reißt so den ganzen Film an sich. Auf der einen Seite ist das sehr gut, denn sein Rochester ist der faszinierendste Charakter in diesem Film. Es hat aber natürlich auch seine Nachteile – denn sobald Orson Welles im Bild ist, verschwindet Joan Fontaine immer etwas neben seiner Präsenz. Und neben so einem dominanten Rochester wirkt Jane Eyre dann einfach nie so gleichgestellt, wie sie es eigentlich sollte.
Allerdings würde auch ein ebenbürtigerer Rochester diesem Problem nicht ganz abhelfen, denn Jane Eyre wäre so oder so etwas zu blass in diesem Film. Joan Fontaine spielt Jane als klassische Hollywood-Heldin dieser Zeit, so schön mit schmachtendem Aufschauen zum Geliebten und zittrigen Augenbrauen zum tragischen Blick. Das ist sicher nicht Fontaines Schuld, das waren halt einfach damalige Hollywoodkonventionen – doch es mag einfach nicht zu Jane Eyre passen.

Aus einem mir absolute unverständlichen Grund hat man sich entschieden, immer wieder “Jane Eyre”-Buchseiten einzublenden, die von Jane vorgelesen werden. Zum einen ist das absolut unnötig und reißt einen immer wieder schrecklich aus dem Film – wozu muss man denn die Zuschauer immer wieder daran erinnern, dass sie hier eine Romanverfilmung sehen? Zum anderen ist es vor allem völliger Quatsch, weil die vorgelesenen Passagen zwar so tun, als ob es “Jane Eyre”-Stellen seien, aber tatsächlich ist das nicht mal im Entferntesten der Brontë-Text. Und was bringt es denn irgendwem, wenn man ständig durch Nacherzählungen aus der Handlung gerissen wird, die nicht mal dazu beitragen, Janes Innenleben wirklich auszuleuchten, sondern nur uninspirierte Versuche, Teile der Handlung zu verknüpfen.

Der Film ist sicher nicht perfekt, Buchpuristen werden bei den Kürzungen wohl zusammenzucken, doch wegen der gelungenen Inszenierung und vor allem wegen dem umwerfenden Orson Welles ist dies hier doch eine Empfehlenswerte Adaption des Romans. Und wenn in nächster Zeit hier im Blog ein paar mehr Orson-Welles-Filme auftauchen, braucht ihr euch auch nicht zu wundern…

]]> http://www.mariakaefer.de/2009/02/19/filmkritik-jane-eyre-1944/feed/ 4 http://www.mariakaefer.de/2008/10/07/filmkritik-captain-horatio-hornblower/ http://www.mariakaefer.de/2008/10/07/filmkritik-captain-horatio-hornblower/#comments Tue, 07 Oct 2008 20:50:39 +0000 Maria http://www.mariakaefer.de/?p=3322 Noch ein kleiner Hornblower-Nachtrag: Ich hab hier ja bereits ausführlich die Hornblower TV-Serie besprochen, die in acht Filmen von 1998 bis 2003 mit Ioan Gruffudd ein paar der beliebten Romane von C.S. Forester verarbeitet hat. Das ist aber nicht die erste Hornblower-Umsetzung – schon 1951 durfte nämlich Gregory Peck in diesem Film in die Hornblower-Rolle schlüpfen. Die Storys der beiden Versionen überschneidet sich übrigens nicht, der Film spielt erst nach den Ereignissen der TV-Serie – eben zu der Zeit in der Hornblower schon Captain ist.

Regisseur: Raoul Walsh
Drehbuch: C.S. Forester, Ivan Goeff, Ben Roberts, Aenas McKenzie
Musik: Robert Farnon
Darsteller: Gregory Peck, Virginia Mayo, Robert Beatty, James Robertson Justice
Erscheinungsdatum: 1951

STORY
Captain Horatio Hornblower (Gregory Peck) befindet sich auf einer geheimen Mission zu einem größenwahnsinnigen südamerikanischen Don, der England im Krieg gegen Spanien unterstützen soll. Auf dem Weg zurück meldet sich Lady Barbara Wellesley(Virginia Mayo) auf Hornblower Schiff, die vor einer Gelbfieberepidemie in Südamerika flieht. Lady Barbara und Hornblower fühlen sich bald zueinander hingezogen – doch auf Hornblower wartet zuhause seine Frau Maria, und Lady Barbara soll Admiral Leighton heiraten.

REVIEW
In den 30ern bis 50ern waren Schiffabenteuerfilme noch fest im Repertoire der großen Hollywood-Studios verankert, ich hab hier im Blog ja schon ein paar davon besprochen (Captain Blood, The Sea Hawk, The Crimson Pirate). Was lag also näher, die erfolgreichste Seefahrtsromanserie dieser Zeit zu verfilmen? Warner Brothers kaufte also die Rechte an den ersten drei Hornblower-Romanen (die allerdings nicht chronologisch die ersten waren, die sind dagegen die Grundlage der TV-Serie) und drehte diesen sympathischen Klassiker.

Ganz in der Tradition der damaligen Abenteuerfilme legt Captain Horatio Hornblower ein gehöriges Tempo vor und packt wahnsinnig viel Stoff in seine doch nicht besonders lange Laufzeit. Für meinen Geschmack wirklich zu viel Stoff, hier wird sich eigentlich für nichts wirklich Zeit genommen, und man hetzt von einem Ereignis zum nächsten, ohne den wichtigen Dingen die Bedeutung zukommen zu lassen die sie verdienen. Zum Vergleich: Die Hornblower-TV-Serie, die ganz sicher kein langsames Tempo vorweist, hat drei Bücher in etwa 12 Stunden verfilmt. Der Film hier schafft es, ebenfalls drei Bücher zu nehmen und den Inhalt auf 110 Minuten zu komprimieren – kein Wunder also, dass da manches gehetzt und überstürzt wirkt. Als großen Bonus hat das Drehbuch aber natürlich vorzuweisen, dass C.S. Forester selbst bei der Adaption geholfen hat, und somit die Story zwar stark gekürzt, aber zumindest nicht völlig abweichend ist.

Ursprünglich hätten die Hornblower-Romane mit Errol Flynn in der Hauptrolle verfilmt werden sollen, was sicher schick geworden wäre. Aus diversen Gründen wurde dann aber doch auf Flynn verzichtet und die Rolle ging an Gregory Peck – was ja mindestens genauso toll ist. Einen Gregory-Peck-Schmachttrieb hab ich schließlich schon von meiner Mutter vererbt bekommen, schon in meiner Kindheit wurde ich da mit “Ein Herz und eine Krone” nachhaltig vorgeprägt. Aber auch ohne mütterlichen Einfluss hätte ich Peck als Hornblower toll gefunden – er sieht ja nicht nur absolut anschmachtenswert aus, sondern spielt auch gut. Mit gekonntem Einsatz seiner Augenbraue, siehe erstes Bild.
Virginia Mayo als Lady Barbara ist solide, auch wenn ich irgendwie alle Heldinnen dieser klassischen Abenteuerfilme recht austauschbar finde. Robert Beatty als Lt Bush ist sympathisch und spielt gut, allerdings find ich die Freundschaft zwischen Hornblower und Bush in diesem Film nicht besonders gut dargestellt – wohl auch, weil halt die Beziehung zu Lady Barbara im Vordergrund steht. Die restlichen Darsteller sind durchgehend ordentlich, als Sahnehäubchen gibt es dazu Christopher Lee in einer winzigen Rolle als spanischer Captain – wer Lee also mal in weißen Leggins beim Fechten sehen will, hat hier die Gelegenheit.

Die Schiffskulisse ist sehr schön und detailverliebt gestaltet, und die Gefechte sind wirklich schick umgesetzt, vor allem wenn die damals zur Verfügung stehenden Mittel bedenkt. Ein paar unstimmige Kleinigkeiten stören nicht weiter und sind schlicht dem Produktionsjahr des Films zuzuschreiben – wie die wenig authentischen Frisuren, die durch die Pastellfärbung unecht wirkenden Kostüme oder angemalte Schauspieler, die mit Schuhcreme im Gesicht als Südamerikaner durchgehen müssen. Die Herzschmerz-Kitsch-Romanze mit Geigenuntermalung mag auch so rein gar nicht in den Film und zu Hornblower passen, aber natürlich gehört das zu einem ordentlichen Abenteuerfilm aus dieser Zeit einfach dazu.

Eins meiner größten Probleme damit, richtig in den Film hineinzufinden, waren die amerikanischen Akzente. Eigentlich sollte man über so was hinwegsehen können, aber Hornblower ist für mich einfach so typisch britisch, das es mich richtig irritiert wenn Horatio und seine Lady Barbara in breitem American English flirten. Und bei jedem von Hornblower gesprochenen “Lieutenant” bin ich zusammengezuckt – selbst in den USA hat man das zu der Zeit in der die Geschichte spielt nicht luutenant, sondern levtenant ausgesprochen…

Der Film geht auch ins Rennen für die Unverständlichste Titelübersetzung – auf Deutsch heißt der Film nämlich “Des Königs Admiral”. Also, liebe Übersetzer, mal von vorne: ein Captain ist nicht das gleiche wie ein Admiral. Ja, Horatio Hornblower ist am Ende seiner Karriere Admiral, sogar Admiral of the Fleet, aber noch nicht in diesem Film. Es würd vielleicht nicht schaden, sich den Film mal anzusehen, für den man einen deutschen Titel sucht – Hornblower ist hier noch weit davon entfernt ein Admiral zu werden…

Captain Horatio Hornblower hat natürlich einige Schwächen, doch auch so bleibt es ein sympathischer und sehr unterhaltsamer Abenteuerfilm. Wer generell auf diese Art Film steht, darf sich diesen hier auf keinen Fall entgehen lassen. Und natürlich werden auch Hornblower-Fans ihren Spaß daran haben – für mich bleibt zwar die TV-Serie unbestritten die bessere Umsetzung, doch trotz Handlungs-Schnelldurchlauf sollte man Gregory Pecks Hornblower schon eine Chance geben.

The Adventures of Robin Hood (Die Abenteuer des Robin Hood)

Regie: Michael Curtiz
Darsteller: Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone
Erscheinungsjahr: 1938

STORY: Während König Richard I. auf Kreuzzug ist, versucht sein Bruder Prince John mithilfe von Sir Guy of Gisbourne (Basil Rathbone) England in seine Hand zu bringen und unterdrückt die Sachsen wo es nur geht. Robin of Locksley (Errol Flynn) verschanzt sich mit einer Schar von Ausgestoßenen im Wald und leistet Widerstand…

Dies dürfte wohl Errol Flynns bekanntester Film sein, und wohl auch eine der beliebtesten Robin-Hood-Verfilmungen – da kann man schon davon ausgehen, dass man mit diesem Film wenig falsch machen kann.
Mein Liebster Robin Hood ist die Disney-Verfilmung von 1973, die ich in meiner Kindheit unzählige Male gesehen habe und mein Bild von Robin Hood wohl für alle Ewigkeiten geprägt hat. Da hilft es durchaus, dass der Disney-Film so einiges von diesem Film übernommen hat und mir hier also vieles vertraut vorkommt.
Anders als die typischen Robin-Hood-Geschichten hat dieser Film nicht den Sheriff of Nottingham als direkten Gegenspieler von Robin, sondern an dessen Stelle Guy of Gisbourne. Ich weiß nicht ganz warum, Gisbourne macht auch nichts anderes als was der Sheriff tun würde, aber es stört immerhin auch nicht – und das Duell zwischen Flynn und Rathbone am Ende des Films ist eh legendär.
Ein kleinerer Negativpunkt ist die wenig realistischen und Technicolor-bunten Kostüme – selbst ein Errol Flynn tut sich halt schwer, in knallgrünen Leggins und einer knallgrünen mit Glitzersteinchen besetzten Samttunika männlich und heldenhaft auszusehen. Immerhin gibt er die Samttunika schnell auf, aber die Leggins bleiben. Aber was solls, der Film will eh nicht wirklich ernst genommen werden, sondern einfach nur gut unterhalten – und irgendwo haben diese Leggins ja auch Vorteile *pfeif* Abgesehen von dem etwas an Peter Pan erinnernden Outfit ist Flynn aber so charmant, frech, romantisch und anschmachtenswert wie immer.
Fazit: Dieser Robin Hood ist witzig, temporeich, romantisch, bunt, mit schicken Wortwitzen (“Why, you speak treason!” – “Fluently.”), mit einem sympathischen Arsenal an altbekannten Charakteren und natürlich dem klassischen Kampf gegen die Bösen und Unterdrückung und für Gleichheit, Gerechtigkeit und den König. Das ultimative Popcornkino halt – und wer irgendwas für Robin Hood und/oder Errol Flynn übrig hat, sollte sich diesen Film auf keinen Fall entgehen lassen!

Dodge City (Der Herr des Wilden Westens)

Regie: Michael Curtiz
Darsteller: Errol Flynn, Olivia de Havilland, Bruce Cabot
Erscheinungsjahr: 1939

STORY: Cowboy Wade Hatton (Errol Flynn) wird in der vom korrupten Viehhändler Surrett (Bruce Cabot) terrorisierten Stadt Dodge City zum Sheriff ernannt – und räumt dann gleich ordentlich auf.

Dodge City ist Flynns erster Western, und gleich mal einer nach absolutem Standard-Muster: Cowboy-Held sorgt für Recht und Ordnung in einer kleinen, von Fieslingen regierten Stadt. Und findet zwischen dem ganzen Stress sogar noch Zeit, mit einem hübschen Mädchen zu flirten. Sicher nichts, was nicht John Wayne davor schon ausgiebig zelebriert hat, doch wenn Errol Flynn den Cowboy gibt, ist ja doch gleich alles doppelt unterhaltsam. Das hübsche Mädchen wird, wenig überraschend, von Olivia de Havilland gespielt – typisch erst zickig und dann soooo verliebt. Hach.
Dodge City selbst ist, vor allem bevor Flynn aufräumt, eine herrliche Comic-Westernstadt, in der ununterbrochen Leute aus Fenstern geworfen werden, sich auf der Straße Leute prügeln, in den Saloons gepokert wird während ein paar fesche Mädls auf der Bühne ihre Beine herumwirbeln, und zwischendurch immer mal wieder eine Schießerei ausbricht, ohne, dass sich jemand groß darüber wundert. Richtig spaßig halt *g* Zum Schluss gibt´s noch ein etwas konfuses, aber durchaus temporeiches Finale in einem fahrenden, brennenden Zug, auch schick.
Nun, ein großer Film ist Dodge City nicht gerade, aber wenn man grad Lust auf Errol Flynn und ein bisschen klassischen Western hat, kann man hier schon seinen Spaß haben.

The Private Lives of Elizabeth and Essex (Günstling einer Königin)

Regie: Michael Curtiz
Darsteller: Bette Davis, Errol Flynn, Olivia de Havilland
Erscheinungsjahr: 1939

STORY: Elizabeth I. (Bette Davis) liebt den jüngeren und ambitionierten Earl of Essex Robert Devereux (Errol Flynn), doch viele Adlige an ihrem Hof intrigieren gegen Essex. Wär fast nicht nötig, denn Elizabeth und Essex stehen sich selbst am allermeisten im Weg…

Der Titel wär einem Groschenroman würdig, aber davon sollte man sich nicht unbedingt beeindrucken lassen. Der Zugang zu diesem Film ist nicht ganz einfach, bzw es ist vor allem nicht einfach mit den Hauptfiguren zu sympathisieren. Sowohl Elizabeth als auch Essex sind krankhaft stolz und fühlen sich äußerst schnell in ihrer Ehre gekränkt, zudem sind beide absolut nicht dazu in der Lage sich gegenseitig zu vertrauen und haben konstant Angst um ihre Machtpositionen. Sie schaffen es nicht länger als 2 Minuten friedlich sich gegenseitig in den Armen zu liegen, sondern beginnen bei jedem noch so kleinen Anlass zu streiten. Und zwischen diesen aufgeblasenen Egos hat der Film keinen Platz zu verdeutlichen, warum die beiden sich eigentlich lieben, so dass die ganze Beziehung etwas gar künstlich wirkt.
Dem zum Trotz ist der Film aber trotzdem ziemlich unterhaltsam, einerseits weil so eine Geschichte natürlich einiges Potential an Dramatik bietet und der Film das schon auch ausnützt (so ein Ende sieht man eher selten…), aber vor allem weil die Schauspieler einfach klasse sind – und beide wie ihre Charaktere ständig um die Oberhand im Film kämpfen. Bette Davis versucht den Film durch ihr beeindruckendes Spiel an sich zu reißen, sie geht wirklich fantastisch in dieser Rolle auf – Errol Flynn setzt dagegen ganz auf seinen Charme und ist damit auch äußerst erfolgreich. Beide haben sich hinter der Kamera übrigens ständig gestritten – bzw auch vor der Kamera, Davis gibt Flynn einmal eine Ohrfeige, bei der sie wohl wirklich fest zugeschlagen hat… Flynns Dauerpartnerin Olivia de Havilland hat übrigens eine kleinere Rolle als Hofdame von Elizabeth, die selbst in Essex verliebt ist.

We´re No Angels (Wir sind keine Engel)

Regie: Michael Curtiz
Darsteller: Humphrey Bogart, Peter Ustinov, Aldo Ray, Basil Rathbone
Erscheinungsjahr: 1955

STORY: Devil´s Island, vor der Küste Französisch-Guianas: Joseph (Humphrey Bogart), Albert (Aldo Ray) und Jules (Peter Ustinov) sind aus dem Gefängnis ausgebrochen und planen, irgendwie auf ein Schiff nach Europa zu kommen. Doch als sie versuchen Kleidung zu stehlen, lernen sie die Familie des Geschäftes kennen, haben Mitleid mit deren Situation und bringen das ein oder andere Problem ins Lot. Ist ja schließlich Weihnachten.

We´re No Angels ist Humphrey Bogarts viertletzter Film und auch einer der letzten Curtiz-Filme (der Mann drehte ja auch schon seit 1912). Hier mit ihrem letzten gemeinsamen Film liefern sie kein bewegendes Drama, sondern einen charmanten, witzigen und herzerwärmenden Weihnachtsfilm. Allerdings absolut unkitschig, sondern doch mit deutlichem Schwerpunkt auf “Humor” – unsere drei “Engel” sind ein klasse Team und haben ein tolles komödiantisches Timing. Und da wir ja doch drei Gauner als Protagonisten haben, werden Probleme auch gern auf eine Weise gelöst, die wohl nicht wirklich als “weihnachtlich” durchgeht
Dieser Film ist sicherlich kein Must-See, doch ein rundum unterhaltsamer, kurzweiliger Spaß mit sympathischen Stars (ich brauch mehr Peter Ustinov hab ich festgestellt…) – durchaus zu empfehlen – zu Weihnachten, aber auch im Sommer, schließlich ist das Klima auf Devil´s Island auch ziemlich unweihnachtlich.

Regisseur: Robert Siodmak
Musik: William Alwyn
Darsteller: Burt Lancaster, Nick Cravat, Eva Bartok, Leslie Bradley
Crew: Burt Lancaster (producer)
Erscheinungsjahr: 1952

STORY
Captain Vallo (Burt Lancaster) überfällt das Schiff des Baron Gruda (Leslie Bradley) und lässt sich von diesem überreden, gegen Bezahlung den Rebellen El Libre an ihn auszuliefern. Doch als Vallo auf die Tochter von El Libre trifft, Consuela (Eva Bartok), beginnt er, diesen Plan noch einmal zu überdenken…

REVIEW
Burt Lancaster war, bevor er Schauspieler wurde, beim Zirkus. Ich weiß, normalerweise hat so eine Information nichts in einer Filmkritik verloren, doch hier ist das wirklich wichtig, denn man merkt das im Film, und zwar deutlich. Es beginnt schon verdächtig, als sich Lancaster am Anfang des Films sehr zirkusmäßig zwischen seinen Segeln herumschwingt und spätestens wenn die Stoffdächer von Marktständen als Trampoline missbraucht werden, wird einem bewusst, dass hier sehr viel Zirkusflair in die Actionszenen geflossen ist. Bei einem Film, der ernstgenommen werden will, wär so was natürlich fatal – aber das will Crimson Pirate gar nicht. Gerade die Actionszenen schwanken die meiste Zeit zwischen kindisch-albern und überdreht-fantastisch, wenn im Finale Flüssigsprengstoff, ein Heißluftballon und ein U-Bott zum Einsatz kommen. Die Süddeutsche hat den Film im Rahmen ihrer Kinderfilmreihe herausgebracht, und ja: vieles von Crimson Pirate scheint sich wirklich an Kinder zu richten. Leider ist das nicht das, was ich von einem Piratenfilm erwarte…

Pluspunkte gibt´s fürs Einbauen von herrlichen Klischee-Piraten-Dingen: bspw singt die Crew recht früh im Film “What shall we do with the drunken sailor” und der Steuermann jammert ständig herum, dass das, was sie tun, nicht piratenmäßig genug ist

Ich geb ja zu, dass Burt Lancaster es bei mir nicht leicht hatte – das erste Mal hab ich ihn in Scorpio gesehen, wo er neben Alain Delon natürlich klar den kürzeren zog, und diesmal wurde er von mir mit Errol Flynn verglichen, und auch da kann Lancaster natürlich nicht gewinnen. Aber ich bin mir sicher, auch wenn ich Lancaster nicht mit charmanten Filmgöttern vergleich: ich kann diesem Mann einfach nichts abgewinnen. Damit hat er eh schon einen schweren Stand bei mir um als Held zu funktionieren – und er gleicht das leider auch nicht mit Schauspielkunst aus. Gut, Crimson Pirate nimmt sich generell nicht so ernst, da erwartet man keinen realistisch gespielten Piraten – doch Lancaster gibt sich manchmal schon etwas gar albern.
Was den Piraten-Faktor angeht: Ja, doch, wenn man die Akrobatikstückchen ignoriert, dann geht Captain Vallo als solider Pirat durch. Zumindest anfangs ist er noch recht skrupellos, und immerhin kämpft er am Schluss nicht wie Flynn für den König, sondern gegen ihn (bzw eben seine Leute).

Anders als die beiden Errol-Flynn-Piratenfilme die ich bisher gesehen habe, wurde Crimson Pirate in Farbe gedreht. Im Grunde ist das ja ein Vorteil, Farbe ist ja hübsch – doch dieser Film macht auch klar, dass Farbfilm eben auch seine Nachteile hat. Gerade, wenn man einen Kostümfilm dreht. Denn während Kostüme in schwarz-weiß noch als authentisch durchgehen, sehen sie halt in Farbe einfach nicht gut aus: zu billig, zu bunt, zu neu, zu künstlich. Dasselbe gilt für Kulissen und restliche Ausstattung.

Kleines Detail, das ich echt schick fand: Gegen Ende verkleiden sich der Captain und sein Freund als Frauen – die Kleider legen sie dann zwar bald ab (und tragen darunter Hosen), doch zu mehr umziehen ist da keine Zeit, weshalb beide den ganzen Endkampf in rosa bzw hellblauen Ballarinaschuhen absolvieren. Süß.

Crimson Pirate ist in gewisser Weise vor allem als Ideengeber für spätere Parodien und Hommagen nützlich – der Name des Films stand Pate für “The Crimson Permanent Assurance”, der herrlich absurde Piraten-Kurzfilm der vor Monty Pythons “Meaning of Life” läuft, und Pirates of the Carribean hat hier die Idee mit dem umgedrehten Boot zum Unterwasser-Atmen geklaut.

Der Film ist netter Zeitvertreib – nicht ernst zu nehmen, aber stellenweise ganz spaßig und für Kinder sicher bestens geeignet. Und Burt-Lancaster-Fans können sicher mehr damit anfangen als ich.

Regisseur: Michael Curtiz
Musik: Erich Wolfgang Korngold
Darsteller: Errol Flynn, Brenda Marshall, Flora Robson
Crew: Seton I. Miller (screenplay)
Erscheinungsjahr: 1940

STORY
1585: Der spanische König Philipp II. träumt von der Weltherrschaft, doch solange England Widerstand leistet sieht er diesen Traum gefährdet. Er will also England vernichten, doch damit die Königin Elizabeth I. (Flora Robson) keinen Verdacht schöpft, schickt er seinen Botschafter Don Alvarez (Claude Rains) um seine friedlichen Absichten zu versichern. Dessen Schiff wird jedoch von Captain Thorpe (Errol Flynn) angegriffen – und Thorpe, der als Freibeuter im Dienste der Königin nur das Beste für England will, erkennt die falschen Absichten von Alvarez. Sein Plan: Das Gold, das Spanien aus Amerika bekommt, in Amerika stehlen und damit den Bau der spanischen Armada verlangsamen. Doch die Spanier bekommen Wind von seinem Plan…

REVIEW
Zwischen “Captain Blood” und diesem Film haben Regisseur Michael Curtiz und Errol Flynn sechs Filme zusammen gedreht, man kann also mit Recht behaupten, dass sie zu dieser 1940 ein eingespieltes Team waren – und das merkt man auch, gerade im Vergleich mit dem fünf Jahre älteren Captain Blood. Es scheint fast, als hätte sich Curtiz alle meine Kritikpunkte an Captain Blood genommen und ausgebessert

Von der Struktur her ähneln sich Captain Blood und Sea Hawk durchaus in einigen Punkten: Wir haben Flynn als Pirat der ganz klar ein guter Pirat ist und eigentlich für die englische Krone kämpft, wir haben die Nichte des Bösewichts als love interest, wir haben eine Passage im Film in der Flynn versklavt wird und dazugehörend natürlich den Aufstand und Ausbruch der Sklaven. Doch das soll uns nicht weiter stören – einerseits gibt es doch genügend Unterschiede und andererseits ist das Piratenfilmgenre eh nicht der richtige Punkt um nach großen Innovationen zu suchen.

Trotz à„hnlichkeiten macht Sea Hawk aber meiner Meinung nach einiges besser. Die Charaktere sind besser durchdacht, interessante Figuren wie Elizabeth I. werden eingeführt, viele Szenen sind kraftvoller (etwas Vergleichbares wie die beklemmende Wirkung der Dschungel-Episode oder der Inquisition-Szene gibt es in Captain Blood nicht), die Musik von Erich Wolfgang Korngold, die mir in Captain Blood gar nicht zusagte, ist hier sehr gelungen und nicht zuletzt sind die Schiffszenen atmosphärischer: endlich hat das Schiff einen Namen, und alle paar Minuten werden nautische Begriffe auf Deck herumgebrüllt – ich liebe so was.

Errol Flynn hat sich auch deutlich gebessert, zum einen äußerlich: er hat einen vernünftigen Haarschnitt, einen ihm sehr stehenden Bart und zum Teil echt schicke Kostüme verpasst bekommen (ich glaub, Flynn ist der einzige Mann, der Overknee-Stiefel rockt…). Zum Anderen aber auch schauspielerisch bzw eher ausstrahlungstechnisch – er hat seinen eh schon faszinierenden Charme verdoppelt, sein leicht debiles Dauergrinsen gegen einen süffisanten Smirk getauscht und spielt generell überzeugender. Außerdem hatte ich das Gefühl, dass Flynn in diesem Film auch einfach bessere Szenen hatte.

Allerdings ist er immer noch nicht so richtig piratig, dazu ist er zu wenig skrupellos und viel zu heldenhaft und galant (man könnt sagen, hier hat er Guybrush-Niveau erreich – das ist durchaus als Kompliment zu verstehen). Doch das stört nicht wirklich, denn die Sea Hawks verstehen sich ja eh nicht als Piraten, sondern als ergebene Untertanen der Königin, die durch ihre Plündereien den Bau der englischen Flotter unterstützen wollen.
Wenn man jetzt bedenkt, dass ich Flynn schon in Captain Blood sehr toll fand und dann diese Verbesserungen dazudenkt, kann man sich vorstellen, dass ich hier aus dem Schmachten gar nicht rausgekommen bin…

Gefreut hab ich mich auch über die Romantik-Szenen, die völlig künstlich und verkitscht sind, aber trotzdem funktionieren. Wir dürfen nicht vergessen, dass hier Michael Curtiz Regie führt, der Mann dem wir Casablanca zu verdanken haben, der hat so was drauf. Momente wie die herrlich schmalzige Rosenszene bekommt man heut einfach nicht mehr, und das ist irgendwo schon schade.
Es gibt überhaupt eine ganze Menge Dinge, die es heute einfach nicht mehr gibt, und die ich schon ziemlich schick finde. Zum Beispiel überlebensgroße, kämpfende Schatten an der Wand. Oder systematisches Kerzen-köpfen beim Fechtkampf um den Raum zu verdunkeln. Oder spanische Könige, die mit extrem betontem Upper-Class-English sprechen.

Der Rahmen der Handlung ist übrigens wieder ein echt historischer, diesmal genau 100 Jahre vor Captain Blood, zur Regierungszeit von Elizabeth I. Ein bisschen gemein ist es ja schon: wenn anfangs “Spain 1585″ eingeblendet wird, fängt man innerlich schon an zu jubeln: Spanien, England, 1580er Jahre, Schiffe – da muss die Schlacht der englischen Flotte mit der spanischen Armada kommen! Eine riesig aufgezogene Seeschlacht, das wird grandios. Denkt man. Fünf Minuten vor Schluss wird einem dann langsam bewusst, dass dafür im Film keine Zeit mehr sein wird, und tatsächlich: wir werden um unsere Seeschlacht betrogen, der Film stoppt kurz davor. Naja, man hätt es sich denken können, so ein gewaltiges Unternehmen ist für einen Film von 1940 sicher zu aufwändig gewesen…aber schade ist das schon.

Für Piratenfans und besonders auch für Errol-Flynn-Fans ist The Sea Hawk absolut zu empfehlen: spannend, lustig, hübsch gefilmt (bspw mit Farbfilter und herrlich typischen Motiven) und einfach rundum unterhaltsam. Also, beat to quarters, und kapert die nächstbeste “Sea Hawk”-DVD. Lohnt sich wirklich. Und sei es nur für das herzallerliebste à„ffchen, das ständig seinen Hut zieht