Der erste Auftritt von David bei der RSC war 1996 in As You Like It. David wollte damals eigentlich für die Rolle des Orlando vorsprechen, wurde vom Regisseur aber überrumpelt und musste für den Hofnarr Touchstone vorsprechen – und wurde für die Rolle auch gleich genommen. Tennant war davon erstmal wenig begeistert, aber weil man Rollenangebote der RSC nicht ablehnt, hat er natürlich zugesagt. Und sich im Laufe der Zeit mit der Rolle angefreundet. Am schönsten für uns, die diese Darstellung verpasst haben, ist vielleicht, dass David Tennant über diese Rolle seinen ersten Beitrag für Players of Shakespeare geschrieben hat – eine Buchreihe, in der RSC-Schauspieler über ihre Erfahrungen in Aufführungen schreiben. Ich konnte leider den entsprechenden Band nicht über meine Bibliothek beziehen, aber den Aufsatz gibt es auszugsweise bei Google Books. Und dabei merkt man, dass Tennant nicht nur sehr schön schreiben kann, sondern sich auch viele interessante Gedanken zu Touchstone gemacht hat.
Hier noch die lobenden Worte aus dem Shakespeare-Survey-Theaterbericht von Robert Smallwood:

There were other good things too: a genuinely funny, trenchantly intelligent Touchstone from David Tennant, a red-suited, cap-and-bells court jester like an illustration from an old Complete Works, valiantly getting laughs on the lines and bursting with lustfull energy for Susannah Elliot-Knight’s buoyantly responsive Audrey

1999 spielte David dann wieder Shakespeare – seine einzige ordentliche Shakespeare-Rolle außerhalb der RSC, nämlich Edgar in King Lear im Royal Exchange Theatre in Manchester. Dazu hab ich wenig Informationen gefunden und auch keine Bilder – aber auf eine positive Beschreibung im Shakespeare Survey von Michael Dobson kann man sich verlassen:

From here Tennant made far more sense than do most Edgars of his alienated progress from outcast to masked avenger, carefully marking its phases and its levels of pretence phonetically – RP fpr his own asides, Glaswegian as Poor Tom (very effective without ever tempting the audience to forget that this was a disguise), and a rustic accent as the supposed fisherman who kills Oswald, which gradually faded to RP for his final interviews with Gloucester and his confrontation with Edmund. This was a performance of exemplary lucidity in a remarkably clear, well-cut, narrative-driven rendition of the play.

Aber danach gings zurück zur RSC mit gleich zwei Shakespeare-Rollen in der Theater-Saison 2000: Antipholus of Syracuse in Comedy of Errors und Romeo in Romeo and Juliet. Trivianotiz vorneweg: In beiden Aufführungen spielte auch Anthony Howell mit, in Comedy of Errors als Tennants Zwillingsbruder und in Romeo and Juliet als Benvolio. Thii.
Aber zurück zu Tennant. Comedy of Errors wird von Michael Dobson im Shakespeare Survey als nicht sonderlich tiefgehende, aber außerordentlich witzige Inszenierung beschrieben und natürlich hatte Tennant seinen Anteil daran:

At this chosen level, this was a remendously succesful show – not least thanks to the exquisite set-pieces worked out between David Tennant’s slick Antipholus of Syracuse and Ian Hughe’s slightly Jeeves-like Dromio, forever producing another elegant litelrepast from his suitcase. Tennant’s post-coital back-tracking across the stage on seeing Luciana in the courtyard in 3.2 – visibly deciding he had just enough energy left to attempt her as an encore to her sister upstairs, and accordingly lighting two cigarettes with two lighter as the showband in the gallery struck up a faintly sleazy theme, and passing one to her – was for me one of the best pieces of comic playing this year, and the whole production was full of comparably smooth and inventive pieces of business.

Weiter zu Romeo and Juliet. Shakespeare Survey unterstreicht hier, dass die Inszenierung besonderen Wert auf die männlichen Charaktere gelegt hat, insbesondere natürlich Romeo, aber auch Mercutio, und Juliet dabei etwas an den Rand gedrängt wurde. Aber solang das bedeutet, dass Tennant mehr Platz bekommt, soll uns das doch Recht sein:

If Romeo seemed unusually central to this reading of the play it wasn’t solely because Tennant – hitherto a lively Touchstone whose destiny seemed to lie with Mercutio at best – here extended his own range quite as dramatically as [Anthony] Sher has been developing his.

Ganz besonders schön ist wieder, dass wir auch hier ein Essay von David Tennant in Players of Shakespeare bekommen. Diesmal hab ich die komplette Version in der Bibliothek bekommen, Auszüge sind aber auch hier bei Google Books vorhanden. Erneut ein sehr empfehlenswerter Aufsatz – schön zu lesen und mit vielen interessanten Gedanken von David Tennant zu seiner Rolle. Nur um ein paar nette Stellen herauszunehmen – ich mag eine der Erklärungen, die er anführt, warum er Romeo spielen wollte obwohl ihm alle erklärt haben, wie schwer doch diese Rolle wäre:

And I suppose that playing Romeo had always represented ro me the first rung on a ladder that every great classical actor had climbed before ascending to Hamlet, Iago, Macbeth, and so on, finally culminating in a great, definitive King Lear before toppling over and retiring to an old actors’ home and telling ribald anecdotes into a great, plummy old age. Not that I am, for a second, categorizing myself as a ‘great classical actor’, or even aspiring to such a term, but the opportunity to follow a path through these famous parts Olivier, Gielgud and others seemed in the wake of actors like Irving, thrilling, and something that, ever since drama school, I’d dreamed of doing. This is the sort of egocentric thought-process that is not entirely helpful to an actor when it comes to actually approaching a role, and I’m not particularly proud to admit to it now, but I can’t deny that it was a pafi (only a relatively small part, but an important one nevertheless) of what made me say yes to the RSC and to begin to find my own way through the sea of received notions of what the part meant to everyone who was so keen to give me their opinion.

Ok, Romeo und Hamlet haben wir also, wir warten nun auf Iago, Macbeth und King Lear *g* Auch niedlich der typisch bescheidene Schluss des Essays:

Romeo and Juliet is a much-produced play full of lines more famous than any of the actors who could hope to play them. One could never hope to be definitive in it, but I’m glad to have had the chance to give it a crack and I look forward to seeing it performed again and again in years to come, so that I can see the way it should have been done. And it goes without saying that I shall greatly enjoy terrorizing young actors by telling them how very, very tricky it is!

Groooßer Zeitsprung nach 2008, als David Tennant nach vielen Fernsehrollen und anderen Theaterrollen wieder zur RSC zurückgekehrt ist. Mit zwei Rollen – Hamlet natürlich, aber auch Berowne in Love’s Labour’s Lost. Für das es natürlich im Internet jede Menge Reviews gibt, aber es kann nicht schaden, die lobende Erwähnung von Tennants Leistung von Carol Chillington Rutter im Shakespeare Survey zu zitieren:

Marked off from the others by his blue doublet and his (native) Scots accent that droned like a whining bagpipe under-score to the romantic witterings of his fellows, Tennant’s Berowne was a comic tour de force. [...] This was comic playing at its triumphant best – and not least because this Berowne, at the end, sustained scepticism, turned such ‘sensible’ feelings on their heads and cast resolution all in doubt.

Aber natürlich steht doch vor allem Tennants Hamlet im Rampenlicht. So sehr, dass die Stars die Inszenierung zum Mega-Event machen und Zuschauer nach Stratford strömen, die sonst nie Shakespeare sehen würden. Was im Shakespeare Survey auch gleich zu Beginn der Theaterreviews gebührend gewürdigt wird:

This is the year that will be popularly remembered in Stratford as ‘Dr Who meets Jean-Luc Picard at Elsinore-on-Avon’; the year when crash barriers had to be set up at the stage door to keep screaming teenagers from mobbing Hamlet; when tickets to Shakespeare were trading on eBay for £ 600. Each.

Die eigentliche Review der Aufführung ist (natürlich) durch und durch positiv und entspricht so ziemlich dem Eindruck, den ich vom Film hatte. Ich will hier nicht alles zitieren, was zu David Tennants Hamlet geschrieben wird, aber die wichtigsten Stellen reichen hier wohl auch aus:

Quirky, mercurial, gawky, he was a clown whose hitched-up eyebrows and wide eyes could mock incredulously or harden, deadpan, his wisecracking mouth tightening into ugly meanness. He certainly knew how to rattle the grown-ups. [...]
This was a Prince whose standard dress was blue jeans and a tatty red T-shirt and whose standard take on life in Elsinore was parody: he mimicked the old buffer Polonius (Oliver Ford Davies) to his maundering face [...], scorned his university chums, Rosencrantz (Sam Alexander) and Guildenstern (Tom Davey), by picking up the patronising cadence of their (genuine) concern [...], brought Claudius to meltdown playing back to him the exact sound of his absurd bluster. He was an anarchist, whom Horatio (the excellent Peter de Jersey) found hysterically funny. [...]
But Tennant’s Hamlet was also a deeply angry young man. [...] There was anguish in his first crushed soliloquy; there was self-mockery [...] and astonished incomprehension at his mother [...]. But it wasn’t until he met the Ghost on the battlements that he was galvanized into dangerous plotter, cunning risk-taker.

Danach folgt auch noch eine sehr euphorische Beschreibung von Penny Downies Gertrude – sehr schön, denn ich war ja auch im Film besonders von ihr beeindruckt, aber in Reviews des Theaterstücks geht sie oft unter dem Preis für Tennant und Stewart unter.
Patrick Stewart kommt hier natürlich auch nicht zu kurz – und im Hinblick auf The End of Time musste ich über diese Formulierung doch ziemlich schmunzeln:

At the end, he reached for the chalice Hamlet shoved toward him – he’d lived too long – and knocked it back.

Zum Abschluss noch die wunderbare kleine Anekdote, mit der auch die Theaterreviews in Shakespeare Survey abgeschlossen werden:

The Courtyard Theatre had emptied. A last spectator remained sitting in the stalls. An usherette approached. “It’s over,” she said. “It’s time to go home.” A woman looked up as from a trance. “It’s my birthday,” she said. “I’m eighty-five today. I’ve never been to the theatre. But I’m a Doctor Who fan, so my friends got together and bought me a ticket to Hamlet. Tell me, is theatre always like that? Have I been mising that my whole life?” Unknown Birthday Girl: no theatre is not always “like that”. But it’s “like that” often enough for those of us who believe that theatre is prime cultural space for making us human to keep on taking our seats in the stalls – or circle or gallery. So wherever you are in the coming year, I hope you spend some part of it in the theatre, making up for lost time.

Chillington Rutter, Carol (2009), “Shakespeare Performances in England”, in: Peter Holland, ed., Shakespeare Survey 63, Cambridge: University Press.

Dobson, Michael (2001), “Shakespeare Performances in England”, in: Peter Holland, ed., Shakespeare Survey 54, Cambridge: University Press.

Smallwood, Robert (2001), “Shakespeare Performances in England”, in: Stanley Wells, ed., Shakespeare Survey 50, Cambridge: University Press.

Tennant, David (2003), “Romeo in Romeo and Juliet”, in: Robert Smallwood, ed., Players of Shakespeare 5, Cambridge: University Press.

Empfehlungen und Vorbemerkungen

Als Einstiegs-Hamletfilm empfehle ich die 2009er Verfilmung mit David Tennant, der nicht nur meine Lieblingsverfilmung ist, sondern dazu auch sehr zugänglich und damit für Neulinge bestens geeignet.
Wer Probleme mit der Sprache hat: Viele Hamlet-Ausgaben haben hilfreiche Anmerkungen zum Text (ich kann den Norton Shakespeare nur empfehlen), als erste Anlaufstelle hilft die Online-Parallelübersetzung in modernes Englisch bei Sparknotes und natürlich helfen auch Übersetzungen oder auch Inhaltszusammenfassungen bei Wikipedia.

Noch eine Anmerkung zu den Filmkritken: Bei Hamlet-Verfilmungen ist eine Bewertung immer eine ziemlich subjektive Angelegenheit, denn dabei kommt es nicht nur darauf an, ob der Film an sich gut oder schlecht ist, sondern mindestens genauso sehr darauf, inwiefern die Interpretation des Stücks durch die Schauspieler und den Regisseur der eigenen Sichtweise des Stücks entspricht. Und es hat wohl jeder eine etwas andere eigene Sichtweise von Hamlet. Das also bitte im Hinterkopf behalten – aber letztlich sind ja alle Filmbesprechungen unglaublich subjektiv. Und wir wissen ja: “There is nothing either good or bad but thinking makes it so.”

Verfilmungen

1948: Laurence Olivier (auch Regie)
155 min, Kino s/w, UK
Zweifelslos ein beeindruckender Film mit einem großartigen Olivier als Hamlet und faszinierender Kameraarbeit und Setgestaltung. Allerdings ist die Vorlage stark gekürzt worden, so dass viele wichtige Textstellen und Figuren fehlen, und nur wenig vom Humor des Stücks transportiert wird. Außerdem stimme ich mit der Interpretation des Stücks nicht überein: Hamlet ist nun mal nicht einfach ein Mann “who could not make up his mind” (wie es der Vorspann erklärt), und auf à–dipuskomplex und Ophelia-Laertes-Inzest-Anspielungen kann ich verzichten.

1969: Nicol Williamson (Tony Richardson)
117 min, Kino, UK
Diese Kinoadaption einer Bühnenaufführung bietet eintönige Kameraarbeit, die zu 95% aus Großaufnahmen besteht, und mit Nicol Williamson den für mich langweiligsten und unsympathischsten Hamlet den ich kenne. Auf der anderen Seite gibt es viele Leute, die diesen Film lieben und Williamsons Hamlet über alle Maßen preisen – muss wohl jeder für sich selbst entscheiden. Außerdem gibt´s hier eine äußerst seltsame Marianne Faithfull als Ophelia und einen zu jungen Anthony Hopkins als Claudius.

1976: Anthony und David Meyer
(Celestino Coronado)
65 min, TV, UK
Absolut wirre und bizarre Version, die einem wirklich üblen Drogentrip gleicht. Gute Idee: Hamlet wird von zwei Personen gespielt um die Zerissenheit des Charakters darzustellen. Schlechte Idee: Alles andere.

1980: Derek Jacobi (Regie: Rodney Bennet)
210 min, TV, UK
Diese BBC-Verfilmung ist unspektakulär auf einem recht kargen Set gefilmt, kann dafür aber mit guten Darstellern punkten. Allen voran Derek Jacobi als eher theatralischer, aber beeindruckender Hamlet, der besonders den Wahnsinns-Aspekt voll ausspielt. Weiter Pluspunkte: Sehr viel Humor, ein guter Patrick Stewart als Claudius, ein genialer Polonius und ein fast vollständiger Text.

1990: Mel Gibson (Regie: Franco Zefirelli)
130 min, Kino, UK/USA
Vielleicht der Film, der Neulingen den einfachsten Zugang zu Hamlet bietet. Das Casting von Action-Held Mel Gibson gibt es schon vor: dieser Hamlet ist sehr selbstsicher und zielgerichtet, und der ganze Film legt mehr Wert auf Action und Handlung als auf Charakterisierung. Das Mittelalter-Setting ist äußerst schick und der Film ist durchaus unterhaltsam, hat aber doch so seine Schwächen: Mel Gibson nimmt man den Hamlet doch nicht immer ab, Alan Bates gibt einen recht blassen Claudius ab, Helena Bonham Carters Ophelia ist etwas verhuscht, wir haben mal wieder eine à–dipuskomplex-Interpretation und wenig Humor.

1996: Kenneth Branagh (auch Regie)
242 min, Kino, UK
Die Monumental-Bombast-Version. Branagh verfilmt hier aufwendig den kompletten Text mit einer Schar an Stars in einem luxuriösen 19.-Jh.-Setting. Da braucht man natürlich Sitzfleisch und man muss schon auch Kenneth Branagh mögen, aber dann gibt es schon vieles an dieser Verfilmung zu lieben. Bspw Derek Jacobi als Claudius, Kate Winslet als Ophelia, überhaupt die Star-Parade, dass die politische Ebene des Stücks immer präsent ist und natürlich einfach die prächtigen Bilder. Weniger geglückt: Die vielen visuellen Rückblenden, die herzlich unnötig sind.

2000: Ethan Hawke (Michael Almereyda)
112 min, Kino, USA
Almereyda versetzt Hamlet ins moderne Manhattan und aktualisiert die Story mit einigen wirklich schicken und einigen weniger gut funktionierenden Ideen. Dabei kommen aber die Charaktere und der Handlungsfluss zu kurz, was diesen Film zu einem zwar interessanten, aber doch ziemlich schleppend, holprigen und humorlosen Erlebnis macht. Höhepunkte der Cast sind Julia Stiles als Ophelia und meistens Ethan Hawkes Hamlet, Tiefpunkt Bill Murrays furchtbar nerviger Polonius.

2009: David Tennant (Gregory Doran)
182 min, TV, UK
Eindeutig mein Lieblings-Hamletfilm, diese Produktion der BBC und der Royal Shakespeare Company punktet mit viel Humor, Spannung, edlen Bildern und vor allem einer großartigen Cast mit David Tennant als dynamischer und emotionaler Hamlet, Patrick Stewart als intelligenter und gerissener Claudius, Penny Downie als eine sehr facettenreiche Gertrude und Oliver Ford Davies als sehr witziger Polonius. Eine wunderbare Verfilmung der Bühnenaufführung, sehr zugänglich und damit perfekt für Neulinge, gleichzeitig aber innovativ und facettenreich und damit genauso lohnend für Hamlet-Kenner.

Picspam

Manche der Reviews haben eh schon einen kleinen Picspam mit dabei (der 2000er-Hamlet, wegen den hübschen visuellen Ideen und der von 1967, um diesen Wahnsinn zu illustrieren), mein Lieblings-Hamlet hat aber dann doch einen großen, ausführlichen Picspam verdient. Und weil ich so vernarrt in diesen Film gibt hat da auch ein Beitrag nicht gereicht und es sind zwei lange Picspams geworden (Achtung, Spoiler!)
Hamlet 2009, Teil 1 – Die erste Hälfte des Films, vom Geist über “To be, or not to be”, Nunnery und herziger Polonius-Veräppelung zum play within the play .
Hamlet 2009, Teil 2 – Die zweite Hälfte des Films, von der Closet- Scene über Hamlets Exil, Ophelias Wahnsinn, “Alas, poor Yorick” bis zum großen Finale.

Andere Adaptionen

Hörspiel
1936: Orson Welles (auch Produzent)
2x 30 min, Columbia Workshop CBS, USA
In der kurzen Zeit kann Welles der Vorlage nicht gerecht werden und vor allem die zweite Hälfte ist sprunghaft und verwirrend, außerdem ist die Textauswahl etwas ungewöhnlich (kein “to be, or not to be”…). Trotzdem schon allein wegen Welles als Hamlet ein faszinierendes Hörspiel, und besonders beachtenswert, weil zu der Zeit eigentlich niemand komplette Shakespeare-Stücke als Hörspiele adaptiert hat, sondern nur Ausschnitte davon.

Bücher
2004, Jasper Fforde: Something Rotten
Der vierte Thursday-Next-Roman ist eigentlich keine Adaption, sondern erzählt eine ganz andere Geschichte, hat aber Hamlet als wichtigen Nebencharakter. Ein großartiges Buch (wie die ganze Thursday-Next-Reihe, sehr empfehlenswert), und Hamlet, der darin mit der realen Welt konfrontiert wird und schließlich zum Action-Helden mutiert, macht wahnsinnig viel Spaß.

2006, Matt Haig: Dead Fathers Club
Eine Nacherzählung der Hamlet-Geschichte als Quasi-Kinderbuch mit einem 11-Jährigen als Hamlet. Haig hat einige gute Ideen, aber es bleibt das Problem, dass ein 11-Jähriger als Hamlet wirklich keine gute Idee ist. Außerdem nervt die Abwesenheit von jeglichen Satzzeichen außer Punkten und Fragezeichen gewaltig und scheint keinen weiteren Sinn zu haben. Merke für die Zukunft: 1) keine 11-Jährige in Rachestorys bitte und 2) Kommas, Anführungszeichen und Apostrophe sind eine tolle Sache!

Regisseur: Gregory Doran
Drehbuch: Gregory Doran, William Shakespeare
Musik: Paul Englishby
Darsteller: David Tennant, Patrick Stewart, Penny Downie, Mariah Gale, Ed Bennet, Oliver Ford Davies, Peter De Jersey
Erscheinungsdatum: 2009

STORY
Kurz nachdem der alte König Hamlet gestorben ist, heiratet dessen Bruder und neuer König Claudius (Patrick Stewart) die Witwe des alten Königs, Gertrude (Penny Downie). Ihr Sohn Hamlet (David Tennant) ist wenig begeistert davon – erst recht nicht, als ihm der Geist seines toten Vaters offenbart, dass Claudius ihn ermordet hat! Hamlet soll ihn rächen, hadert aber ziemlich mit dieser schweren Bürde.

REVIEW
Oh, es hätte so viel schief gehen können. Ich habe immer gehofft, dass ich diesen Film mögen werde, aber sicher war das nie. Die Interpretation des Stücks hätte sich mit meiner Idee von Hamlet beißen können. Die Inszenierung hätte in einem anderen Medium nicht funktionieren können. Die Schauspieler hätten zu theatralisch und nicht fernsehgerecht spielen können. Die Verfilmung hätte gründlich daneben gehen können – uninspirierte Kamera, langweiliges Set, schleppendes Tempo. Trotz allem Lob für die Bühnenaufführung bestand immer die Möglichkeit, dass der Film enttäuschen wird. Nur nach ein paar Minuten weiß man: Nein, dieser Film enttäuscht nicht. Und spätestens zum Abspann kann man sich sammeln und feststellen, dass dieser Film nicht nur Erwartungen erfüllt, sondern übertrifft, und sich mit Leichtigkeit an die Spitze meiner Hamlet-Lieblingsfilmliste setzt – dieser Film macht nämlich praktisch alles richtig.

Es gibt so viele Aspekte dieses Films von denen ich begeistert bin, dass ich hier nie alle erläutern kann. Also nur ein paar ausgewählte Dinge, fangen wir mal mit der Interpretation des Stücks an. Alle anderen Hamlet-Filme, die ich kenne, haben Szenen, bei denen man sich denkt “Hm, das hätte ich anders gespielt, ich seh das anders”. Dieser Film nicht, hier sind Szenen entweder so, wie ich sie mir sowieso vorgestellt hab, oder auf eine Art dargestellt, die mir nicht in den Sinn gekommen wäre, die ich aber großartig finde. Man wird also immer wieder überrascht, auf eine sehr gute “Ah, das macht so ja viel mehr Sinn”-Weise. Schön.

Dann wäre da die Inszenierung und das Setting. Die in edlem Schwarz gehaltene Location sorgt für die passende Stimmung und einen interessanten und abwechslungs- reichen Hintergrund, zieht aber nie die Aufmerksamkeit auf sich, sondern dient nur, um das Geschehen zu unterstreichen. Kameramann Chris Seager fängt alles in edlen, intelligent gestalteten Bildern ein (mehr dazu dann im Picspam) und Regisseur Gregory Doran sorgt für konstant hohe Spannung, selbst wenn man die Geschichte in und auswendig kennt, so dass die drei Stunden wie im Flug vergehen.

Dann ist da natürlich die exzellente Cast, ohne die kein Hamlet-Film funktionieren kann. Allen voran David Tennant. Ich mag da vorbelastet sein, aber ich hab da ja zum Glück die ganz große Mehrheit der Kritiker hinter mir: Tennant spielt einen großartigen Hamlet. So witzig wie tragisch, so brilliant wie unsicher; energisch aufgedreht in den “gespielter Wahnsinn”-Szenen, nachdenklick-zerbrechlich in seinen zweiflerischen Momenten, wir fühlen seine Trauer, seinen Schmerz, seinen Zorn. Viele Reviews der Bühnen- wie der Filmversion haben es schon erwähnt, ich kann mich nur anschließen: Eine der größten Stärken von David Tennant als Hamlet ist seine Präsentation der Verse. Hamlet ist eines der bekanntesten Stücke überhaupt, mit zahllosen Aufführungen und Filmversionen, und dazu beinhaltet der Text sehr viele Verse, die man selbst im allgemeinen Sprachgebrauch ständig hört. Tennant beherrscht nun die Kunst, diese ausgelaugten Verse mit bemerkenswerter Frische zu füllen und für ein heutiges Publikum relevant und verständlich aufzubereiten. Er schafft es also, dass man bei “To be, or not to be” mit jeder Faser mitfühlt und mitdenkt, statt nach zig Verfilmungen einfach den “Hamlet denkt über Suizid nach”-Stichpunkt im Kopf abhakt.

Patrick Stewart spielt einen recht ungewöhnlichen Claudius. Der ist hier in gewisser Weise ein sehr bewundernswerter Mann, wohl ein besserer Staatsmann als es der alte Hamlet war, und man kann bestens verstehen, warum Gertrude ihn ehrlich liebt und schon vor dem Tod des alten Königs eine Affäre mit ihm hatte (was der Film stark andeutet). Gleichzeitig steht es außer Frage, dass er wirklich böse ist, und zwar auf eine intelligente, berechnende Art, die ihn nur noch gefährlicher macht. Stewart legt seinen Claudius nicht als “den Bösen” an, sondern als facettenreichen Charakter – dafür gab’s einen verdienten Olivier Award.

Von Penny Downie war ich ebenfalls sehr begeistert. In vielen Hamlet-Filmen bleibt Gertrude ziemlich blass, hier nicht: Downie glänzt nicht nur in den klassischen Gertrude-Szenen, sondern bleibt auch sehr aktiv, wenn sie keinen Text hat, und vermittelt durch vielsagende Blicke, Mimik und Gestik viel von Gertrudes Gedanken und Hintergrund.

Inzwischen dürfte es bekannt sein, dass ich viel Wert auf den Humor in Hamlet lege, auch da kommt man bei diesem Film ganz auf seine Kosten. Mit den sehr humorvoll gespielten Hamlet und Polonius, mit den klassischen Comedyfiguren wie dem Totengräber und Osric, und mit vielen kleinen Gesten im Hintergrund von anderen Figuren.
Oliver Ford Davies gehört sowieso nochmal eigens hervorgehoben: Der hat genauso wie der wunderbare Polonius der 1980er-Verfilmung genau gemerkt, wie man Polonius als sehr witzige und vor allem auch sehr, sehr menschliche Figur spielt, so dass man von seinen Szenen nicht nur bestens unterhalten wird, sondern ihn trotz allen seinen falschen Vorstellungen ins Herz schließt – was wiederum der Dramatik des Stücks sehr dient.

Haben wir denn auch Dinge, die weniger geglückt sind? Ein paar Klein- igkeiten vielleicht. Die Überwachungs- kamera erzeugt zwar eine gute Stimmung, hätte aber durchaus mehr miteinbezogen werden können, und ist beim Finale etwas unnötig. Ich hab schon bessere Totengräber gesehen. Mariah Gales Ophelia ist sicherlich nicht schlecht, aber auch nicht ganz auf der gleichen Stufe wie die restlichen Darsteller. Und ich finde es etwas schade, dass wir nicht genau mitbekommen, was eigentlich mit Rosencrantz und Guildenstern geschieht. Klar, auf die Piratengeschichte verzichtet man gern, aber hier wird Hamlets Schuld an ihrem Tod ausgeblendet, was etwas unglücklich ist.

Dinge, die ich liebe, auf die ich jetzt aus Platzgründen aber nicht mehr weiter eingehen kann: Die wunderbare Chemie zwischen Hamlet und Horatio. Die feine Charakterisierung von Rosencrantz und Guildenstern. Das Set-Design, insbesondere der sehr schicke Einsatz von Spiegeln, oder die Kostümentscheidungen. Das play-within-the-play. Viele Details des Finales. Die Platzierung von “To be, or not to be” (der Struktur des “Bad Quarto” folgend). Ich hab überhaupt noch rein gar nichts zu den Soliloquies gesagt! Ach, ich könnte noch Vieles aufzählen, aber diese Review ist eh schon doppelt so lang wie normale Filmkritiken, also kommen wir zum Schluss.

Ich denke, es ist klar geworden: Ich liebe diesen Film. Sogar mehr, als ich zu hoffen gewagt hab. Es gibt andere Hamlet-Filme, die ich sehr gerne mag, dieser hat sich jetzt als meine definitive Version herausgestellt, bei dem ich bis auf ganz wenige Ausnahmen jedes Detail liebe. Also absolut empfehlenswert, sowohl für Hamlet-Neulinge als auch für Hamlet-Kenner. Wer jetzt noch nicht überzeugt ist, kann ja mal den Picspam angucken – Teil 1 ist hier und Teil 2 ist hier…

Regisseur: Tony Richardson
Drehbuch: Tony Richardson, William Shakespeare
Musik: Patrick Gowers
Darsteller: Nicol Williamson, Anthony Hopkins, Judy Parfitt, Marianne Faithfull, Mark Dignam, Michael Pennington, Gordon Jackson
Erscheinungsdatum: 1969

STORY
Kurz nachdem der alte König Hamlet gestorben ist, heiratet dessen Bruder und neuer König Claudius (Anthony Hopkins) die Witwe des alten Königs, Gertrude (Judy Parfitt). Ihr Sohn Hamlet (Nicol Williamson) ist wenig begeistert davon – erst recht nicht, als ihm der Geist seines toten Vaters offenbart, dass Claudius ihn ermordet hat! Hamlet soll ihn rächen, hadert aber ziemlich mit dieser schweren Bürde.

REVIEW
Zugegeben, diese Hamlet-Verfilmung hatte keinen leichten Stand. Aber selbst ohne ständigen Vergleich mit dem Tennant-Hamlet wäre ich von diesem Film wenig begeistert gewesen. Dabei macht diese Adaption eigentlich nichts furchtbar falsch – sie macht nur alles fürchterlich mittelmäßig, eintönig und schlicht langweilig.

Das fängt mit der Inszenierung an. Erstaunlich für einen Film, der auf einer Bühnenaufführung basiert, bekommen wir so gut wie nie weitere Einstellungen, die einem einen Überblick über mehrere Personen und den Raum verschaffen würden, sondern fast nur Großaufnahmen. Und zwar nur Großaufnahmen der Personen, die gerade sprechen – nur selten bekommen wir mit, wie die Reakionen darauf aussehen. Das wird teilweise wirklich absurd übertrieben, wenn bspw 90% der “Get thee to a nunnery”-Szene aus Großaufnahmen von Hamlet besteht – ich will doch wissen, wie Ophelia reagiert! Wie wenig weite Einstellungen wir bekommen wird am Schluss nochmal deutlich, wenn man beim finalen Kampf merkt, dass die Schauspieler diese typischen Renaissance-Strumpfhosen tragen – das merkt man erst hier, weil es davor keinen Shot gibt, in dem man die Beine der Darsteller sieht! Ganz getreu dieser uninspirierten Kameraarbeit werden auch alle Soliloquies von Hamlet ohne Abwechslung in Großaufnahme in die Kamera gesprochen. Das Set (das Roundhouse Theatre) verschwindet dabei meist im schwarzen Hintergrund und sorgt damit auch nicht für viel Abwechslung.
Diese Aneinanderreihung von Großaufnahmen ist nicht nur für die Präsentation der Handlung und die Figurencharakterisation ziemlich hinderlich, sie ist auch auf Dauer äußerst langweilig.

Wie bei so manch anderen Verfilmungen fehlen zwei Ebenen des Stücks: politische Fragen werden größtenteils ausgeblendet (damit kann ich leben) und der Humor wird auf ein Minimum reduziert (damit kann ich nicht leben, Hamlet ohne Humor funktioniert für mich einfach nicht). Bei der Kürzung des Texts sind schon mal einige der witzigen Szenen rausgefallen, schwerer wiegt aber, dass die verbliebenen Szenen ohne Gespür für Witz gespielt werden – den Text aufsagen allein reicht da halt nicht, da muss man den Humor auch rüberbringen.

Leider haben mich auch die Schauspieler allesamt wenig überzeugt – die wirken häufig recht emotionslos und leer. Anthony Hopkins und Judy Parfitt sind beide viel zu jung für ihre Rollen, spielen zwar nicht unbedingt schlecht, aber doch nicht erinnerungswürdig. Marianne Faithfull spielt eine sehr rätselhafte Ophelia – sie wirkt anfangs häufig sehr abwesend und naiv, und hat fast schon ein Lächeln in Szenen, in denen man Schmerz und Tränen erwarten würde (siehe die Nunnery-Szene). Aber das mag tatsächlich daran liegen, dass hier der Charakter Ophelia einfach auf eine mir recht unverständliche Art interpretiert wird, und weniger an schauspielerischer Unfähigkeit (so daneben kann man ja nicht ohne Absicht spielen). Später während Ophelias Wahnsinn hat mir Faithfull etwas besser gefallen, wobei sie hier wiederum eher zu wenig wahnsinnig ist…

Und dann ist da unser Hamlet. Ich hätte über Williamsons zu alt wirkendes à„ußeres (er ist erst 33, sieht aber mehr nach 50 aus) und seine nervige nasal-hohe Stimme problemlos hinwegsehen können, wenn er gut gespielt hätte. Aber Fehlanzeige: Williamson ist wohl der langweiligste und unsympathischste Hamlet den ich kenne.Von der minimalistischen Mimik und den ewig ausdruckslosen Augen mal abgesehen, kann er einfach Shakespeares Sprache nicht transportieren – er spricht sehr vieles wahnsinnig monoton und schnell, so dass fast schon der Sinn verloren geht. Häufig spricht er seine Verse auch so distanziert, als ob der Inhalt ihn selbst gar nicht angehen würde sondern eher allgemeine Gedanken wären. Und die Szenen schließlich, in denen Hamlet wahnsinnig spielt, unterscheiden sich von den restlichen eigentlich nur dadurch, dass Williamson noch schneller spricht.

Meine kleinen Lieblingsmomente des Films: Bei einer Szene mit Claudius und Gertrude im Bett liegt ein Hund auf dem Bettlaken und wühlt mit seiner Schnauze völlig unberührt von dem Geschehen um ihn herum in einer Obstschale. Was auch immer ein Hund mit Obst anfangen will. Ein schönes nebensächliches Detail. Und dann auch Osric, der völlig camp und OTT gespielt wird, aber damit in diesem humorlosen Film endlich mal für einige Lacher sorgt. Yay Osric.

Der Fairness halber am Schluss nochmal der Hinweis: Unter dem ständigen Vergleich mit dem Tennant-Stewart-Hamlet hatte es dieser Film schon besonders schwer. Und es gibt auch genügend Leute, die den Film ordentlich finden, und Nicol Williamson als Hamlet bewundern. Aber für mich haben sich die zwei Stunden doppelt so lang angefühlt, und wenn ich beim Finale über keinen Tod trauere, dann hat der Film einfach was falsch gemacht. Eine solide Verfilmung, die mir persönlich einfach gar nichts gibt – kann man getrost auslassen.

Regisseur: Celestino Coronada
Drehbuch: Celestino Coronada (nach William Shakespeare)
Musik: Carlos Miranda
Darsteller: Anthony Meyer, David Meyer, Helen Mirren, Barry Stanton, Quentin Crisp, Vladek Sheybal
Erscheinungsdatum: 1976

STORY
Theoretisch Hamlet. Praktisch interessiert es diesen Film eh nicht, eine Story zu erzählen.

REVIEW
Ich wusste vorher über diesen Film nur, dass Helen Mirren sowohl Gertrude als auch Ophelia spielt, und dass dafür Hamlet von zwei Personen dargestellt wird. Vorwissen, durch das man einen experimentellen Hamlet erwartet – aber das einen kein bisschen auf das vorbereitet, was dann kommt. Schon vom ersten Moment an springen wir tief in surreale, bizarre Gewässer: Fernsehrauschen und Bildfetzen, ein “To be or not to be”-Voice-over, die Titeleinblendung, unmotivierte Schreie aus dem Nichts, weitere Bildfetzen, der schlafende Hamlet, noch mehr Schreie und Bildüberblendungen und schließlich steht der komplett nackte Geist von Hamlets Vater beim Bett, erzählt von seiner Ermordung, grapscht an Hamlet herum und klaut ihm die Bettdecke, so dass nun auch Hamlet völlig nackt daliegt. Dem ganzen folgt eine Montage von übereinandergeblendeten Bildern, in denen Hamlet von Männerhänden gestreichelt wird.

Damit geben einem die ersten 10 Minuten einen wunderbaren Eindruck von diesem Film: Keinerlei Rücksicht auf den Handlungsablauf, voll von verwirrender Symbolik, jede Menge psychedelische Bildüberlagerungen und sphärischen Klängen und vor allem ein ganzer Haufen unmotivierte Erotik, insbesondere Anspielungen auf Inzest und Homosexualität (da wirken die ödipal angehauchten Hamlets von Laurence Olivier und Mel Gibson ja geradezu bieder dagegen).
Anfangs versucht man noch, dieses Sammelsurium an konfusen Reizen zu entschlüsseln und herauszufinden, was sich der Regisseur dabei gedacht hat – mit der Zeit gibt man das aber auf. Zum Teil, weil man einfach nicht versteht, was das alles soll und den Verdacht hegt, dass das eh alles nur unter Drogeneinfluss entstanden ist, zum Teil aber auch, weil man es auch einfach nicht verstehen will.

Dabei hat der Film ein paar ziemlich gute Ideen. Vor allem die Besetzung von Hamlet den Zwillingen Anthony und David Meyer, durch die Hamlets innere Zerissenheit in den Mittelpunkt gestellt wird – da haben wir den eher vernünftigen, gutmütigen Hamlet und den wahnsinnigen, triebgesteuerten Hamlet. In manchen Szenen hat das eine sehr interessante Wirkung, besonders in der Nunnery-Szene gefällt mir das, wie sich der vernünftige Hamlet (“I loved you once”) noch gegen den wahnsinnigen Hamlet (“I loved you not”) wehrt, bis sich dieser doch durchsetzt.
Wie gesagt, eine prinzipiell gute Idee. Aber spätestens, als diese beiden Hamlets dann auch noch die Rolle von Laertes übernehmen, miteinander an Ophelias Grab streiten und schließlich beim Finale nur mit Lendenschurz miteinander Ringen wird es einfach wieder zu abstrus.

Aus der Idee, Gertrude und Ophelia von einer Person spielen zu lassen, hätte man vielleicht auch was interessantes machen können – tut man aber nicht. Helen Mirren ist vielmehr richtig schlecht. Ich will sie dafür nicht verantwortlich machen, wir wissen ja, dass Helen Mirren eine fantastische Schauspielerin ist – aber der Regisseur lässt sie völlig passiv und abwesend agieren

Klar ist auch, dass der Film nichts für Leute ist, die Hamlet nicht kennen. Hier wird nicht mal im Ansatz versucht, eine kohärente Handlung zu erzählen, Coronada nimmt einfach nur ein paar Szenen, reiht sie aneinander und lässt anderes weg, das man eigentlich zum Verständnis bräuchte. Ganz besonders bei der Ophelia-Handlung – wir erfahren sowieso nichts von der Verwandtschaft zwischen Polonius und Ophelia, Ophelia taucht einfach nur mal so auf um sich ohne Grund von Hamlet zu trennen. Wir sehen nicht, wie Hamlet Polonius tötet – aber trotzdem wird Ophelia verrückt. Wir sehen deren Begräbnis ohne dass wir irgendwann von ihrem Tod erfahren zu haben. Es sterben auch Gertrude und Claudius nicht, hauptsache wir haben am Schluss Hamlet umgebracht (zumindest einen der beiden).
Der Film verzichtet auch konsequent auf viele der ikonischen Momente des Stücks, die jeder kennt. Abgesehen von dem kurzen Voice-over am Anfang bekommen wir kein “To be or not to be”, kein “what a piece of work is a man”, keine Schädelszene mit “Alas poor Yorick” und auch am Ende wartet bei Hamlets Schlussmonolog jeder auf “the rest is silence” – aber es kommt nicht.

Dass man den Film nur schwer bekommt, wenn man nicht grad in der Videothek drüber stolpert, ist wirklich nicht tragisch – denn auch wenn es irgendwie schon faszinierend ist, ein solch wirre Version von Hamlet zu sehen, und man das ja zumindest nur 63 Minuten ertragen muss, ist doch klar, dass die Welt auf diesen Film gut verzichten kann.

Picspam
Ich erspare euch mal Bilder von den ganzen Nacktszenen, aber ein paar dieser vielen, vielen bizarren Dinge muss ich doch noch loswerden…

Wenn mich die miese VHS-Qualität nicht täuscht, wird auch der Geist von einem der Zwillinge gespielt. In Rot. Und nackt. Warum auch immer.

Hier also unser beiden Helden. Im schwarzen Schnür-Outfit der “vernünftige” Hamlet, im weißen Plastikband-Umwickel-Kostüm der “irre” Hamlet (mit gutem Blick auf Dinge, die wir zu diesem Punkt im Film eh schon oft genug gesehen haben *seufz*)

Gertrude bietet ihrem Sohn die Brust zum Nuckeln.
Wie, à–dipuskomplex?

Die Nunnery-Szene, in der die Sache mit den beiden Hamlets richtig schick ist. Hinten der irre Hamlet, vorne der brave Hamlet, der gleich vom irren Hamlet aus dem Bild geschubbst wird.

Ja, der Regisseur liebt seine Bildüberlagerungen. Fragt mich nicht, warum während dem “oh what a rouge and peasant slave am I”-Soliloquy des braven Hamlets der irre Hamlet an einer Scheibe klebt und stöhnt. Ich will es nicht wissen.

Oh, Gruppenbild. Hinten der völlig bizarre Polonius, der entweder völlig weiß geschminkt oder einfach nur als Großaufnahme eines Auges (siehe oben) auftritt, vorne (von links nach rechts) Hamlet, Gertrude (aus mir unerklärlichen Gründen rot und in ein futuristisches, bauchfreies Etwas gekleidet) und Claudius.

Wie ein (eigentlich sehr positiver) Kommentar auf imdb so schön meint: “Was it necessary to stage the play-within-a-play as an orgy?”
Nein, natürlich nicht. Aber wenn schon, denn schon, gell?

Wer braucht schon einen Fechtkampf, wenn man doch homoerotische Ringsequenzen im Stringtanga haben kann, die man dazu noch mit irgendwelchen Bildern überlagern kann?

So. Ich schau jetzt wieder den Trailer für Greg Dorans Hamlet in Dauerschleife, um diese Bilder in meinem Kopf wieder loszuwerden.

*hibbelnd-im-kreis-hüpf*

Außerdem hab ich mich nicht zurückhalten können, und die Uni-Videothek aller mir noch unbekannten Hamlet-Filme beraubt, die dort rumgestanden sind. Das wäre die Kinoverfilmung von Tony Richardson mit Nicol Williamson als Hamlet (1969), dann eine TV-Verfilmung von 1976, in der Hellen Mirren sowohl Gertrude als auch Ophelia spielt, und die sonst wohl auch eher experimentell inszeniert (klingt spannend), und eine direkt auf DVD erschienene Produktion von 2003 mit William Houston als Hamlet, die ein bisserl suspekt aussieht (Die Produktionsfirma scheint auf Tolkien/LotR-Dokus spezialisiert zu sein – was ja nett ist, aber jetzt nicht so ideal zu Hamlet passt, oder?)

Wahrscheinlich wird also noch die ein oder andere dieser Verfilmungen hier besprochen, vor oder nach Weihnachten, mal sehen. Daneben wären da natürlich noch die beiden Hamlet-Filme, die ich gesehen, aber hier im Blog noch nicht kommentiert hab, die Zeffirelli-Version mit Mel Gibson und der Kenneth-Branagh-Hamlet – vielleicht schreib ich zu denen auch noch ganz kurz was. Gibt’s jemanden, den meine Meinung zu diesen Filmen besonders interessiert, oder kann ich das ruhig noch rausschieben?

Regisseur: Rodney Bennet
Drehbuch: William Shakespeare
Musik: Dudley Simpson
Darsteller: Derek Jacobi, Patrick Stewart, Claire Bloom, Lalla Ward, David Robb, Eric Porter, Patrick Allen, Robert Swann
Erscheinungsdatum: 1980

STORY
Kurz nachdem der alte König Hamlet gestorben ist, heiratet dessen Bruder und neuer König Claudius (Patrick Stewart) dessen Witwe Gertrude (Claire Bloom). Ihr Sohn Hamlet (Derek Jacobi) ist wenig begeistert davon – erst recht nicht, als ihm der Geist seines toten Vaters offenbart, dass Claudius ihn ermordet hat! Hamlet soll ihn rächen, hadert aber ziemlich mit dieser schweren Bürde.

REVIEW
Geduld muss man schon mitbringen. Dafür bietet dieser Film in seiner über 3 ½ Stunden Laufzeit aber auch fast den kompletten Text und ist damit immerhin noch kürzer als Kenneth Branaghs epische 4-Stunden-Version (die übrigens offensichtlich von dieser Verfilmung beeinflusst ist).

An Schauwert hat diese Verfilmung wenig zu bieten: stilisierte, mit wenig Requisiten ausgestattete Studiosets, langweilige flache Ausleuchtung, die für wenig Atmosphäre sorgt, solide, aber unauffällige Kameraarbeit und wegen der Aufnahme auf Video generell ein eher billiger Look. Die Richtlinien der BBC für diese Shakespeare-Reihe schrieben eine traditionelle, konservative Umsetzung der Stücke vor, und mit dem entsprechend geringen Budget eines Fernsehfilms sieht dieser Hamlet aus wie abgefilmtes Theater.
Das mus man eben akzeptieren, und es ist auch gar nicht mal so schlecht, denn nachdem der Film auf dieser Ebene nichts zu bieten hat, muss er sich ganz und gar auf die Kraft von Shakespeares Text und die Leistungen der Schauspieler verlassen – und da hat diese Verfilmung auch einiges zu bieten.

Allen voran natürlich Derek Jacobi als Hamlet. Jacobi hat das Jahr davor eine Hamlet-Welttournee absolviert, und man merkt, dass er diese Rolle in und auswendig kennt, es ist eine kraftvolle, durchdachte Darstellung. Dabei kommt auch immer der Bühnenschauspieler in Jacobi durch, ein wenig theatralisch spielt er schon – allerdings fällt das in dieser in Richtung “abgefilmtes Theater” neigenden Verfilmung nie wirklich negativ auf. Jacobi zielt sowieso nie auf einen leisen Hamlet ab: sein Hamlet überschreitet die Grenze zum Wahnsinn desöfteren; er spielt diesen nicht nur dem Hof vor sondern verliert bei diesem Spiel auch die Kontrolle. Hamlet ist hier schon zu Beginn wenig zurückhaltend mit seinen beißenden Kommentaren, später dreht er dann völlig auf.
Die Entscheidung, Jacobi seine Soliloquies häufig direkt in die Kamera sprechen zu lassen, fand ich anfangs ein wenig seltsam, doch zum Teil entstehen dadurch sehr intensive Momente, in denen man als Zuschauer viel unmittelbarer mit Hamlet mitleiden kann.

Neben Derek Jacobi glänzt auch Patrick Stewart – ich finde es immer wichtig, dass Hamlet einen kraftvollen Gegenspieler erhält, etwas, woran der Mel-Gibson-Hamlet scheitert, und was dieser Film hervorragend macht. Stewart spielt weniger theatralisch und spricht seine Verse mit sehr natürlicher, unmelodiöser Betonung, ein deutlicher Kontrast zu Jacobi also, aber nicht minder eindringlich.

Claire Bloom spielt eine gute Gertrude, auch wenn einem ihre Darstellung jetzt kaum lange im Gedächtnis bleiben wird, Lalla Ward ist eher schwach als Ophelia, wird aber später besser. Eine der besten Leistungen des Films kommt von Eric Porter als Polonius – besonders nach der wirklich miesen Darstellung von Bill Murray aus der Almereyda-Verfilmung ist es eine Freude, mit Porter so einen witzigen, sympathischen und menschlichen Polonius zu sehen. Was dem ganzen Stück auch unglaublich gut tut, nicht nur, weil so der Humor funktioniert, sondern auch weil Polonius Tod viel dramatischer ist, wenn man ihn zuvor liebgewonnen hat.

Überhaupt bringt diese Verfilmung viel Witz mit: Mit dem wunderbaren Polonius, Jacobis aufgedrehtem Hamlet, den hier ziemlich schleimigen Rosencrantz und Guildenstern und auch bei den klassischen Komik-Szenen (die Totengräber, Osric) trifft der Film genau den richtigen Ton.
In diesem Film werden sogar Szenen witzig, die man gar nicht unbedingt witzig interpretieren muss. Beispielsweise ist es eine Freude, wie sich die Schauspieler immer (auf eine freundschaftliche Weise) über Hamlets Laien-Theaterbegeisterung lustig machen. Und auch Horatio hat mich immer wieder zum Schmunzeln gebracht, weil er hier so ein wunderbar verhuschter sensibler Denker ist, nie ohne Buch in der Hand anzutreffen, der sich so rein gar nicht in der intriganten Welt des dänischen Hofs zurechtfindet und gleichzeitig so aufrichtig besorgt um Hamlet ist.
(Überhaupt ist die Chemie zwischen Hamlet und Horatio hier hervorragend. So hervorragend, dass man da sogar homosexuellen Subtext reinlesen kann, wenn man denn so gewillt ist. Brauch ich in Hamlet sonst ja wirklich nicht, aber hier sind die beiden sind einfach zu knuffig.)

Noch ein paar Fangirl-Notizen zum Abschluss: Die BBC produziert einfach gern Sci-Fi-Hamlets, oder? Zu Weihnachten bekommen wir ein Zusammentreffen von Doctor Who, Star Trek und Star Wars (David Tennant, Patrick Stewart, Oliver Ford Davies), aber auch dieser Hamlet ist ziemlich bemerkenswert: Captain Picard als Onkel des Masters, der eine Beziehung mit Romana II hat, außerdem spielt Picards Frau in The End of Time mit. Geekgasm, anyone?

Keine Experimente, keine unerwarteten Innovationen, keine faszinierende filmische Umsetzung – aber eine sehr gelungene, sehr vollständige Hamlet-Inszenierung mit einem hervorragenden Derek Jacobi, viel Witz und liebevoll gezeichneten Nebendarstellern, durch die vor allem auch die eher kleinen, unwichtigen Szenen strahlen können. Für jeden Hamlet-Interessierten empfehlenswert, und für Fans der “Hamlet ist wirklich verrückt”-These wohl die ultimative Filmfassung.

Erfreulicherweise fand sich neben einiger Sekundärliteratur auch ein Buch mit der Textfassung dieser Aufführung in meiner Uni-Bibliothek, man kann sich also ziemlich gut zusammenreimen, wie diese Inszenierung ausgesehen hat.

Worum geht’s in Julius Caesar?

Gut, ich denke jeder hier weiß über die Ermordung Julius Caesars Bescheid, für alle, die wissen wollen, wie sich das bei Shakespeare abspielt, können entweder bei Wikipedia nachschauen, oder bekommen hier eine knappe Zusammenfassung von mir:
Cassius überzeugt Brutus sich einer Verschwörung gegen Julius Caesar anzuschließen, Brutus ist zwar ein Freund Caesars, sieht jedoch die Notwendigkeit Caesar zu ermorden, da dieser nach dem Bürgerkrieg unrechtmäßig an der Macht ist und die Gefahr besteht, dass er sich zum König krönen lässt (Cassius hilft bei Brutus’ Entscheidung etwas nach, indem er ihm mit gefälschten Briefen vorspielt, dass das römische Volk bei ihm Hilfe sucht). Obwohl Caesar von einem Wahrsager vor diesem Tag gewarnt wurde, und seine Frau Calphurnia böse Omen geträumt hat, lässt sich Caesar an den Iden des März (15. März) von den Verschwörern überreden, in den Senat zu gehen. Dort wird er schließlich von den Verschwörern erstochen (“Et tu, Brutà©? Then fall Caesar”, das kennen wir ja). Mark Antony, Caesars engster Vertrauter, wird verschont, er scheint sich dem Willen der Verschwörer zu beugen und bekommt von ihnen die Erlaubnis, bei Caesars Begräbnis zu sprechen – solange er nichts schlechtes über die Verschwörer sagt. Bei der Beerdigung spricht erst Brutus und scheint dabei die Massen auf seiner Seite zu haben, und Verständnis für die Ermordung Caesars zu bekommen. Doch Antony dreht mit seiner Rede den Spieß um (“Friends, Romans, countrymen, lend me your ears!”), und obwohl er sich geschickt an sein Versprechen hält, nichts böses über die Verschwörer zu sagen (“For Brutus is an honourable man, so are they all, all honourable men”), wiegelt er die Massen zu einer Meuterei gegen die Verschwörer auf. Cassius und Brutus fliehen aus Rom und ziehen ihre Truppen zusammen, Antony tut sich mit Caesars Adoptivsohn Octavius und Lepidus zusammen und ergreift die Herrschaft. Nach einem Streit und anschließender Versöhnung ziehen Cassius und Brutus in den Kampf, als die Niederlage unausweichlich ist, begehen beide Selbstmord.

Wer spielt was?

Hier die Cast-Liste des Mercury Theatres, Auflistungsreihenfolge meiner Quelle übernommen, mit Anmerkungen zur Rolle und weil wir schon dabei sind auch gleich noch die Schauspieler, die dieser Schauspieler in Me and Orson Welles darstellen.

Gründung des Mercury Theatre

Damit wir Julius Caesar aufführen können, brauchen wir erst einmal ein Theater. Das John Houseman und Orson Welles kurzerhand selbst gegründet haben – was allein schon eine bemerkenswerte Leistung war. Wie Houseman selbst zurückblickt:

The Mercury Theatre was conceived one summer evening after supper; its birth was formally announced ten days later and it opened on Broadway within ten weeks in a playhouse bearing its own name with a program of four productions, a company of thirty-four and a capital of ten thousand, five hundred dollars.

Houseman und Welles hatten eine Vision und einen Namen, ein geeigneter Ort wurde in einem heruntergekommenen alten Theater gefunden, und weil sie beide kein Geld hatten, setzten sie ein Manifest in die Zeitung um Sponsoren zu finden. Die kamen tatsächlich, zumindest damit technische Leiterin und Beleuchtungsexpertin Jean Rosenthal mit Arbeiten an der Renovierung des Theatergebäudes beginnen konnte. Währenddessen suchten sich Houseman und Welles ihre Cast zusammen, Samuel Leve wurde als Setdesigner engagiert, und die Proben für Julius Caesar begannen. Während Welles oft 16 bis 20 Stunden am Tag im Theater verbrachte, plagten Houseman Geldsorgen – wenn die Aufführung kein großer Erfolg werden würde, wäre das Mercury Theatre ruiniert.

Die Idee

Was diese Produktion auszeichnet, ist in erster Linie, wie Parallelen zwischen Julius Caesar und dem zu der Zeit in Deutschland und Italien aufkommende Faschismus gezogen wurden. Wie bei vielem, für das Orson Welles berühmt wurde, hat er das nicht erfunden – ein paar Monate zuvor wurde bereits Caesar in modernen Kostümen mit Faschismus-Untertönen vom Delaware Federal Theatre aufgeführt – aber er hat die Idee nahezu perfekt umgesetzt und damit den Nerv der Zeit getroffen. Caesar als Prototyp des Diktators, Marc Antony als die Massen kontrollierender Faschist, Cassius als berechnender Revolutionär und dazwischen Brutus als idealistischer Liberaler, der in dieser Welt zum Scheitern verurteilt ist.

Der Text

Orson Welles hatte offensichtlich vor Shakespeare mehr Respekt als vor anderen Autoren, weswegen er anders als bei anderen Produktionen nicht selbst irgendwelche Verse dazugedichtet hat, sondern nur Shakespeare verwendete. Recht viel weiter reichte der Respekt nicht: Welles kürzte das Stück radikal (fast die Hälfte!), strich Charaktere, stellte Szenen um, borgte sich Verse aus anderen Shakespeare-Stücken (Coriolanus, zum Beispiel).
Es blieb eine gestraffte, handlungsbetonte Version des Stücks, die immer den Fokus auf Brutus hält, und bei der vor allem die letzten beiden Akte auf ein Minimum reduziert wurden (Octavius fällt ganz raus, es gibt keine Schlachtszenen, der ganze fünfte Akt ist in meiner Textausgabe nur eine Seite lang). Welles stellt Shakespeare damit ganz in den Dienst seiner Vision der Aufführung.

Die ikonischen Szenen

Neben dem generellen Eindruck sind es ein paar einzelne Szenen, die besonders diese Aufführung definierten. Gemäß der Anti-Faschismus-Richtung der Inszenierung natürlich besonders aus dem dritten Akt: Die Ermordung Caesars bspw, bei der Caesar an der diagonal aufgestellten Reihe der Verschwörer entlangtaumelt um am Ende von Brutus den letzten Stich zu erhalten. Aber vor allem die Massenszenen wurden von Welles sorgfältig orchestriert – mehr davon kann ich euch zeigen, wenn ich über die Caesar-Hörspiele berichte, die die Mercury-Cast gemacht hat.

Bis dahin müsst ihr mir so glauben:  Antony peitscht das Volk bei Caesars Beerdigung auf, so dass sie sich in einen aggressiven Mob verwandeln, und die ganze Spannung entläd sich schließlich in der “Cinna the poet”-Szene.  Eine Szene, die zuvor in vielen Inszenierungen als unwichtige, eher komische Szene gesehen und ganz weggelassen wurde, und mit der auch Welles so einige Probleme hatte, bis er zusammen mit Cinna-Darsteller Norman Lloyd den richtigen Ton fand und die Szene schließlich 48 Stunden vor der Premiere in wieder aufgenommen und zum Herzstück der Aufführung wurde. Cinna der Dichter wandelt sorglos auf den Straßen, wird langsam vom aufgebrachten Lynchmob eingekreist und schließlich aufgrund seines Namens, den er mit einem der Mörder teilt, von diesem angefallen. Der Mob verschluckt Cinna, die Bühne wird schwarz und in die Stille ein letzter, vergeblicher Schrei “But I’m Cinna the poet!” Wie es Lloyd selbst erklärt: “It symbolized what was happening in the world, if your name was Greenburg – even if you weren’t Jewish.”

Bühnenausstattung und Beleuchtung

Das Setdesign war so simpel wie effektiv: Für eine elaborierte Ausstattung war sowieso kein Geld da, also fand die Aufführung vor einer kahlen, dunkelrot gestrichenen Wand statt, ohne Requisiten außer den Dolchen, und alles auf einer Konstruktion auf unterschiedlich hohen Holzplattformen. Wobei auch aus der Not eine Tugend gemacht wurde: Welles war erst bestürzt, als er hörte, welchen Lärm Schritte auf den hohlen Holzplateaus machten, doch in den Massenszenen wurde dies zu einem rhythmischen Getrommel, das zur Energie der Inszenierung passte.

Die Beleuchtung von Jean Rosenthal war noch ausgefeilter und steuerte viel zur Stimmung bei. Am berühmtesten wurde von den Lichteffekten fraglos die Beleuchtung bei Antonys Beerdigungsrede, der “Nuremburg lights effect”, der ganz deutlich den Lichteffekten des Reichsparteitags in Nürnberg ein Jahr zuvor nachempfunden wurde.

Zuschauerreaktionen und Nachlass

Ein Erfolg der Aufführung war keineswegs sicher – bis zur letzten Minute wurden Dinge geändert und neu geprobt, und besonders George Coulouris glaubte nicht daran, dass daraus noch irgendwas werden würde und prophezeite den völligen Ruin des Mercury Theatres. Bei der ersten Preview ging praktisch alles schief was schief gehen konnte, und es gab keinen Applaus am Schluss.
Exzessive Proben später und vor allem durch die Einfügung der Cinna-Szene war die Inszenierung jedoch zur Premiere bereit – und ein umfassender Erfolg. Die Kritiker und (deutlich wichtiger für das Überleben des Mercury Theatres) auch das Publikum liebte die Aufführung – die Reviews in den renommierten Zeitungen überschütteten Welles mit Lob und viele Aufführungen waren ausverkauft.

Für den immensen Erfolg spricht auch, dass diese Inszenierung auch bis heute wichtig ist – ich hab mal ein wenig in der Uni-Bibliothek herumgeblättert, und mir ist tatsächlich kein Buch oder Aufsatz untergekommen, der sich mit der Bühnengeschichte von Julius Caesar beschäftigt und nicht Welles’ Inszenierung Tribut zollt.

Literaturverzeichnis
(Keine Sorge, ich fang nun nicht an, mich als Vorbereitung für Filme oder zur Recherche für Blogartikel stundenlang in die Bibliothek zu setzen – ich werd das alles aller Wahrscheinlichkeit nach auch für die Uni brauchen können.)

Anderegg, Michael (1999), Orson Welles , Shakespeare, and Popular Culture, New York: Columbia University Press.
Houseman, John (1972), The Birth of the Mercury Theatre, Educational Theatre Journal, Vol. 24, No. 1 (Mar., 1972), pp. 33-47
France, Richard (1990), Orson Welles on Shakepeare: The W.P.A. and Mercury Theatre Playscripts, Westport: Greenwood Press.
France, Richard, (2000), Orson Welles’s Anti-Fascist Production of “Julius Caesar” , Forum Modernes Theater, 15:2 (New York) pp. 145-161

An eher familienfreundlichen Dingen gibt es zu berichten, dass die BBC dieses Jahr erneut einen Doctor-Who-Adventskalender eingerichtet hat, der uns mit täglichen Kleinigkeiten auf Weihnachten vorbereiten wird.

Regisseur: Michael Almereyda
Drehbuch: Michael Almereyda (Vorlage: William Shakespeare)
Musik: Carter Burwell
Darsteller: Ethan Hawke, Kyle MacLachlan, Diane Venora, Bill Murray, Julia Stiles, Liev Schreiber, Sam Shepard, Karl Geary
Erscheinungsdatum: 2000

STORY
Die Welt von Student Hamlet (Ethan Hawke) gerät aus den Fugen: Sein Vater, der Geschäftsführer der Denmark Corporation in Manhattan, ist tot und seine Mutter Gertrude (Diane Venora) hat seinen Onkel Claudius (Kyle MacLachlan) geheiratet. Außerdem wird seiner Freundin Ophelia (Julia Stiles) von ihrem Bruder Laertes (Liev Schreiber) und ihrem Vater Polonius (Bill Murray) von einer Beziehung zu Hamlet abgeraten. Und da erscheint Hamlet auch noch der Geist seines Vaters, erklärt ihm, dass Claudius ihn ermordet hat, und drängt Hamlet zur Rache…

REVIEW
Michael Almereydas Hamlet ist einer dieser Filme, bei denen ich danach nicht so recht weiß, ob sie mir jetzt gefallen haben oder nicht. Weil es neben einigen wirklich guten und einigen wirklich schlechten Aspekten einfach Vieles gibt, das ich je nach Tagesform bewerte: wenn ich mit etwas gutem Willen ran gehe, finde ich es interessant oder clever, wenn ich etwas kritischer darüber nachdenke, find ich es eher albern und pretentiös.

Almereyda versetzt Hamlet ins moderne Manhattan, bindet soviele moderne Medien wie möglich in die Handlung ein und bastelt sich damit einen höchst selbstreferenziellen, metafiktionalen Film zusammen. Zum Teil funktioniert diese Modernisierung und das Spiel mit Medien gut, zum Teil wirken diese Dinge forciert und unfreiwillig komisch oder gar unverständlich.
Manche Ideen sind wirklich geschickt und gefallen mir gut. Beispielsweise spricht Hamlet seinen “O what a rogue and peasant slave am I”-Soliloquy, in dem er seine eigene Untätigkeit bejammert, nicht als Reaktion auf eine Rede eines Schauspielers (der ohne realen Grund emotional sein kann), sondern während er sich James Dean in “Rebel Without a Cause” anschaut. Und das “play within a play” durch einen “film within a film” zu ersetzen ist absolut logisch und funktioniert hervorragend.
Anderes mag aber einfach nicht funktionieren. “To be or not to be” in der Actionabteilung einer Videothek ist ja prinzipiell eine gute Idee, aber Actionfilmausschnitte im Hintergrund und massenhaft rote “ACTION”-Schildchen sind dann doch zu viel des Guten und das ganze kippt etwas ins Alberne. Viele dieser Dinge fallen eben in die “je nach Tagesform”-Kategorie bei mir.
Und bei manchen der verwendeten Symbole ist es mir schlicht ein Rätsel, was sie sollen. Kann mir irgendwer sagen, was die Aufnahmen von Flugzeugen im Himmel sollen (hier z.B. in der Nunnery-Szene)?

Etwas seltsam, wie veraltet schon neun Jahre später diese Modernisierungen wirken. Disketten, Videokasetten, Fax statt Email – da altert ein Film schnell. Etwas irritierend auch, dass die Modernisierung nicht konsequent durchgezogen wird. Bei allen modernen Medien läuft es am Schluss doch auf ein Fechtduell und vergifteten Wein hinaus – eine etwas konsequentere und harmonischere Modernisierung wäre da wohl besser gewesen.

Unter all den Modernisierungen und netten Ideen vergisst der Film dummerweise, sich um die Charaktere und den Fluss und die Stimmung des Films zu kümmern. Ethan Hawke ist nicht übel als Hamlet, doch der Film lässt seinen Charakter keine Entwicklung durchmachen – Hamlet ist hier konstant depressiv und verwirrt, und wie er zu seinem Auftrag zum Mord an Claudius steht ist äußerst konfus. Was sollen wir denn mit einer Szene, in der Hamlet schon im zweiten Akt zum Mord entschlossen ist, und Claudius nur deswegen nicht erschießt, weil er nicht in seinem Büro ist? Und warum wird dem Zuschauer nicht erklärt, warum Hamlet Claudius in der Beichtszene nicht ermorden kann (in diesem Film ist das Beichten ein Voice-over, das Hamlet nicht hört, warum sollte er dann nicht abdrücken?). Und auch der von mir eigentlich sehr geschätzte Kyle MacLachlan kann nicht verhindern, dass Claudius hier ziemlich blass wirkt.
Immerhin trifft es die Frauen etwas besser: Diane Venora glänzt in ihren Szenen als Gertrude (Venora hat ja auch schon reichlich Hamlet-Erfahrung, sie hat vor diesem Film schon einmal Getrude, Ophelia und Hamlet selbst gespielt). Und vor allem auch Julia Stiles als Ophelia sorgt für einige tolle Momente des Films.

Noch in einem größeren Maße als bei Oliviers Hamlet wurde bei dieser Version jeglicher Humor entfernt. Viele witzige Stellen wurden gestrichen, aber noch erstaunlicher ist, dass einige der eigentlich zum Schmunzeln anregenden Verse zwar drin sind, aber völlig ernst präsentiert werden: Hamlets ‘madness’ sorgt hier nie für frechen Witz, sondern wird durchgehend als depressive Unruhe dargestellt. Den Totengräber bekommen wir zwar zu Gesicht, und er darf die Verse “There’s too much confusion, I can get no relief” aus “All Along the Watchtower” singen, aber seine eigentliche Szene entfällt völlig (und damit auch “Alas, poor Yorick”). Und selbst obwohl man Polonius mit dem eigentlich Comedy-geschulten Bill Murray besetzt hat, spielt dieser absolut verschlafen und unlustig (tatsächlich hab ich nur bei seiner Todesszene gegrinst. Nicht, weil die lustig wäre, sondern weil ich den Verweis auf The Godfather schick fand (Polonius wird wie Moe Green durchs Auge erschossen)).

Nein, Humor kann dieser Film wirklich nicht bieten. Was wirklich sehr schade ist. Zum einen mag ich den Humor in Hamlet sehr, und Shakespeare hat den ja auch nicht einfach so in das Stück geschrieben, er kontrastiert sich schön mit der Tragik und setzt diese damit noch stärker hervor. Zum anderen hätte dieser Film einfach grundsätzlich mehr Stimmungsabwechslung gebraucht – so ist es eine sehr bedrückte Angelegenheit, was dann auch schnell zäh wirkt.

Noch ein paar wahllose positive Dinge zum Abschluss: Ich mag die Kameraarbeit, auch wenn ich auf die sehr grieselige Optik verzichten könnte. Ich mag die Architektur der verwendeten Gebäude und überhaupt die Ausstattung, und der Soundtrack ist klasse. Und es gibt eine ganze Reihe von kleinen Szenen, die ich liebe – bspw wie Hamlet vor dem Finale in seiner Wohnung die Bilder von der Wand nimmt, wie Laertes Ophelias Haarnadel zum Abschied mitnimmt, oder die kleinen Kinder in Halloweenkostümen, die immer wieder mal durchs Bild laufen.

Wie oben schon erwähnt, würde ich diesen Hamlet nicht jemandem empfehlen, der mit dem Stoff nicht vertraut ist – weil der Film einfach ziemlich träge sein kann und die Motivation der Figuren nur bedingt funktioniert, da bekommt man ein falsches Bild von Hamlet. Aber es ist zweifelslos ein äußerst interessanter Film, der sich für Hamlet-Kenner sicher lohnt, auch wenn man ihn kaum lieben kann.

Picspam

Ich hab hier noch ein paar Screenshots herumliegen, machen wir doch einen Picspam. Zu Beginn einer der schön pointiert eingesetzten Extreme Close Ups:

Die “Get thee to a nunnery”-Szene ist nicht nur wegen den Schauspielern und dem geschickten Einsatz von moderner Abhörtechnik toll, sondern vor allem auch wegen dem Quietscheentchen.

Hawke-Hamlet guckt Gielgud-Hamlet. Seeehr meta. Aber nett, dass wir so doch noch zu unserer Schädelszene kommen, die bei diesem Film ja wegfällt.

Ich liebe diese Aufnahme von Hamlet im Waschsalon. So kalt und trist und leer und einsam. Einzige Gesellschaft zwei Kürbisse im Hintergrund, und auch wenn ich wirklich nicht weiß, warum der Film diese Halloween-Sache so betont, gefällt es mir.

Hamlet und Spiegel: Spätestens seit Kenneth Branaghs Verfilmung ein beliebtes Motiv, und wir werden das wohl auch in Gregory Dorans Verfilmung zu Weihnachten wiedersehen.

Ui, “Easy Rider”-Hamlet! Ehrlich, mit Motorrad auf so einem Friedhof, das zählt definitiv als Anspielung. Auch in dieser Szene, aber hier nicht zu erkennen: Niedliche Halloween-Kinder, die der Szene etwas traumhaft-surreales verleihen.

Es ist seltsam, unseren modernen Hamlet auf einmal Fechten zu sehen, aber nachdem Fechtoutifts schick sind, will ich mich nicht beschweren.

The rest is silence.

Ich bin noch am Überlegen, ob ich vor Weihnachten eine kleine Hamlet-Reihe machen will. Ich hätte hier ja noch einige Hamlet-Verfilmungen da, die ich noch nicht besprochen hab (Kenneth Branagh, BBC mit Derek Jacobi, Zefirelli mit Mel Gibson), und die Uni-Videothek hätte noch einige andere da (bspw die moderne Verfilmung mit Ethan Hawke, Tony Richardson mit Nicol Williamson und eine Verfilmung von 2003, von der ich noch nie was gehört hab), und ich könnte auch noch Jasper Ffordes “Something Rotten” und Matt Haigs “Dead Fathers Club” dazulegen. Allerdings hab ich eigentlich gar keine Zeit für sowas (ich muss ja auch noch Doctor-Who-Marathon machen. Und eigentlich fürs Examen lernen…). Und ich will ja nicht bis Weihnachten dann völlige Hamlet-Übersättigung haben, und Tennants Hamlet nicht mehr ordentlich genießen können…

Schön und gut – aber was halten wir davon?

“Considering the time restraints you were under trying to squeeze Hamlet into two half-hour broadcasts, I’d say the results were very close to brilliant”.

Nun, wenn ich Orson Welles gegenüberstehen würde, würde ich wohl das gleiche sagen – und wenn ich will, dass er mir eine Rolle gibt, würd ich wohl noch mehr schwärmen. Nachdem das beides aber nicht der Fall ist, darf ich kritischer sein – denn tatsächlich ist dieser Hamlet eher nicht “very close to brilliant”.

Es ist natürlich schon klar, dass nichts wirklich Großes rauskommen kann, wenn man ein Stück, das eigentlich gut vier Stunden dauert, in zweimal einer halben Stunde unterbringen will. Welles spricht über dieses Problem auch vor dem Stück und meint, man habe versucht, sowohl die bekanntesten Szenen als auch eine halbwegs kohärente Handlung zu präsentieren.
Ein weiteres Problem ist, dass scheinbar anfangs gar keine komplette Hamlet-Adaption geplant war, sondern Welles eigentlich nur die ersten beiden Akte vertonte und zwei Monate später wegen des Erfolgs der Sendung den Rest des Stücks nachreichte. Hätte man gleich eine vollständige Fassung im Sinn gehabt, hätte man wohl bei den ersten beiden Akten mehr gekürzt und damit mehr Zeit für die handlungsreicheren letzten drei Akte gehabt.

In Welles Hamlet fehlen nämlich schon einige Dinge, die einfach notwendig gewesen wären. Zum Beispiel “To be or not to be”, das hier völlig unter den Tisch fällt. In gewisser Weise muss man Welles ja schon zu dem Mut gratulieren, die vielleicht berühmtesten Verse der Literaturgeschichte, auf die bei Hamlet jeder wartet, ohne weiteren Kommentar zu streichen. Wie viele Hamletproduktionen trauen sich das schon? Trotz allem bleibt aber das Problem: Hamlet ohne “To be or not to be” funktioniert nicht. Schon gar nicht in einer Fassung, in der eh so viel gekürzt ist, dass man eigentlich keine Ahnung hat, warum Hamlet überhaupt zögert. Da muss “To be or not to be” kommen. Es irritiert besonders, weil man auch einige Textpassagen drin hat, auf die man da viel eher verzichten könnte. Wie Hamlet die Schauspieler über ordentliche Schauspielkunst aufklärt ist ja schön und gut, aber halt doch nicht relevant für die Handlung.
Damit Hamlets Handeln immerhin nicht ganz so unverständlich erscheint, bekommen wir die ziemlich kompletten “What a rogue and peasant slave am I”-Passage, das macht das Fehlen von “To be or not to be” zumindest ein bisschen wett:

Hamlets Motivation in dieser Adaption auch nicht gerade dienlich ist, dass Ophelia praktisch ganz gestrichen wird: Im ersten Teil kommt sie gar nicht vor, im zweiten Teil darf sie zwei Sätze vor der Theateraufführung und drei Sätze im Wahnsinn sagen und das wars. Wenn Hamlet also gegen Ende ein kraftvolles “I loved Ophelia” in die Welt posaunt, ist das das erste Mal, dass wir davon hören. Das ist wohl auch einfach eine Folge der Zweiteilung des Stücks: im ersten Teil konnte man sie noch problemlos rausstreichen, aber im zweiten Teil braucht man sie dann halt doch und kommt dann ins Stolpern.
Tatsächlich ist man eh nicht besonders erfreut, wenn Ophelia doch endlich mal zu Wort kommt – die wird nämlich ganz furchtbar schlecht gesprochen. Ich erspar euch ein Soundbeispiel, aber ich zucke jedesmal zusammen, wenn sie den Mund aufmacht – völlig unpassend dümmlich und weinerlich, es ist ein Graus. Also doch gut, dass sie kaum vorkommt.
(Ah. Nachdem ich diesen Absatz getippt hab, hab ich doch noch herausgefunden, wer Ophelia gesprochen hat: Virginia Welles. Tja, Nepotismus hat noch nie jemandem gut getan…)
Mit Laertes funktioniert es quasi genauso – der taucht auch erst am Schluss aus heiterem Himmel auf, damit Hamlet halt jemanden hat, mit dem er sich duellieren kann. Durch solche Sachen wirkt gerade die zweite Hälfte einfach ziemlich verwirrend und so richtig versteht man nie warum die Leute so handeln wie sie handeln – wer Hamlet nicht kennt, ist bei so einer Adaption wirklich aufgeschmissen.

Gut, wir wollen jetzt nicht das ganze Stück auseinandernehmen und das Für und Wider jeder einzelnen Szene diskutieren – belassen wir es jetzt also einfach dabei, dass ich eine andere Szenenauswahl bevorzugt hätte, und dass ich Welles Auswahlentscheidungen nicht mal komplett nachvollziehen kann. Trotzdem ist Welles Radio-Hamlet durchaus gelungen, denn an der Umsetzung gibt es wenig zu kritisieren, besonders der nicht ganz so überhastete erste Teil macht immer wieder Spaß. Welles Hamlet zeigt wenig vom Witz und vom Wahnsinn der Figur (die meisten dieser Szenen wurden gestrichen und würden wohl auch nicht so recht zu Welles passen), aber dafür profitieren die nachdenklichen und energischen Passagen von Welles magischer Stimme. Und wie oft bekommen wir schon einen Hamlet, dessen Darsteller tatsächlich glaubwürdiges Hamlet-Alter hat?

Hier also noch zwei Kostproben – zuerst aus dem ersten Teil, Claudius und Gertrude wollen Hamlet aufmuntern, dem aber nur nach zynischen Antworten zu Mute ist (Qualität lässt zu wünschen übrig, aber was will man tun):

Und hier kann man dann hören, wie viel mehr im zweiten Teil gekürzt werden musste, und welche Auswirkungen das dann auf den Fluss hat – Hamlets “Alas, poor Yorick”-Rede (die mit dem Schädel):

Unterm Strich bleibt die Erkenntnis, dass man Hamlet wohl einfach nicht auf eine Stunde zusammenkürzen sollte. Und dass ein Orson Welles Hamlet trotz allen Problemen für Fans der beiden immer noch sehr lohnenswert ist – auch nach dreimal Hören bin ich noch fasziniert davon.

Orson Welles Hamlet ist natürlich wie immer kostenlos und legal im Internet Archive zu bekommen.
Achja, und wer sie nicht kennt: Leo Bill und Patrick Kennedy tauchen in dem Clip da oben auf, Leo steht in den Nahaufnahmen von Christian McKay als Welles direkt hinter ihm, Patrick steht ganz rechts in den Aufnahmen der ganzen Gruppe.

The movie is being planned by punk star turned director Richard Jobson and is inspired by big screen hits Sin City and Spartan epic 300. Scheming Jobson said: “It is going to be like a graphic novel with Macbeth as a muscular, scarred barbarian of a man.”

Okay – das könnte völlig in die Hose gehen, könnte aber auch ziemlich interessant werden. Leider kenne ich von den beteiligten Personen kaum was, so dass ich schlecht einschätzen kann, was am wahrscheinlichsten ist.
Zumindest kann man gleich jetzt schon das Aussortieren der ganzen neuen Macbeths anfangen: Zu dem Film mit Anthony Stewart Head als Duncan, über den ich geschrieben hab, gibt es nämlich schon einen Trailer. Und der macht für mich ziemlich klar, dass ich den Film nicht sehen muss.